Sutori

22 consejos para un buen guión - Emma Coats (Pixar)

¡Hola a todos!

Emma Coats, artista de storyboards en Pixar, fue recopilando algunos consejos para la creación de historias durante la elaboración de Brave. Este fue el resultado, 22 pequeñas lecciones que nos enseñan mucho:

1.- A los personajes se les admira más por lo que intentan que por lo que consiguen.

2.- Ten en mente lo que te interesa en tanto que miembro del público, no lo que consideras más divertido en tanto que escritor. Las dos cosas pueden ser muy distintas.

3.- Tener claro el asunto es importante, pero no tendrás claro de qué va la historia hasta que hayas llegado al final. Ahora, a reescribir.

4.- Érase una vez un (o una) ___. Todos los días, ___. Pero un día, ___. Y, por eso, ___. Y, por eso, ___. Hasta que, finalmente, ___.

5.- Simplifica. Céntrate. Funde unos personajes con otros. Salta por encima de las ramificaciones. Te parecerá que estás dejando atrás cosas valiosas, pero en realidad te estás liberando.

6.- ¿Qué se le da bien a tu personaje? ¿Qué le hace sentirse cómodo? Enfréntale a su opuesto matemático. Ponle a prueba. ¿Qué tal se las apaña?

7.- Ten claro tu desenlace antes de haber llegado al nudo. En serio. Los finales son lo más difícil, ten el tuyo preparado cuanto antes.

8.- Termina tu historia, y ciérrala incluso si no te ha quedado perfecta. En un mundo perfecto, tendrías las dos cosas [un final y una historia perfecta]pero debes seguir adelante. Hazlo mejor la próxima vez.

9.- Cuando estés atascado, haz una lista de cosas que NO van a ocurrir a continuación. En muchos casos, así encontrarás las ideas que te sacarán del apuro.

10.- Disecciona las historias que te gustan. Lo que amas en ellas es una parte de ti: debes reconocerlo antes de aprender a usarlo.

11.- Poner tus ideas sobre el papel te permite empezar a trabajarlas. Una idea perfecta que sólo está en tu cabeza es una historia que nunca compartirás con nadie.

12.- Desecha la primera cosa que se te venga a la mente. Y la segunda, y la tercera, y la cuarta, y la quinta… Deshazte de lo obvio, sorpréndete a ti mismo.

13.- Dales opiniones a tus personajes. Los pasivos y los manejables pueden resultarte simpáticos a ti, que eres el que los escribe, pero son veneno para la audiencia.

14.- ¿Por qué debes narrar precisamente ESTA historia? ¿De cuál de tus pasiones se alimenta tu relato? Esa es la clave del asunto.

15.- Si tú fueras tu personaje, en esta situación, ¿cómo te sentirías? La honestidad añade credibilidad a las situaciones increíbles.

16.- ¿Qué está en juego? Danos razones para querer a tu protagonista. ¿Qué ocurrirá si no tiene éxito? Ponlo todo en su contra.

17.- No hay trabajo malgastado. Si la cosa no funciona, relájate y pásate a otro proyecto. Lo que has hecho te será útil más adelante.

18.- Conócete a ti mismo: distingue la diferencia entre hacerlo lo mejor que sabes y lucirte. Narrar es una cuestión de intentarlo, no de depurarlo.

19.- Usar las coincidencias para meter en apuros a tus personajes es genial. Usar las coincidencias para sacar a tus personajes de un aprieto es hacer trampas.

20.- Un ejercicio: analiza los elementos de una historia que no te gusta. ¿Cómo los dispondrías para hacer una historia que SÍ te gusta?

21.- Identifícate con tu escenario y tus personajes, no les hagas reaccionar de forma guay. ¿Qué te llevaría a ti a actuar como actúan ellos?

22.- ¿Cuál es la esencia de tu relato? ¿Y el modo más sencillo de narrarlo? Si sabes eso, podrás empezar a trabajar.

¡Espero que os sirvan y hasta la próxima entrada!

Strippers - One shot

¡Hola a todos amigos!

Bueno, hace algún tiempo que terminé este pequeño one shot acerca de un chico que en vez de tener un talento para ser ninja, samurai o cualquier otra especie de bicho raro que conozcan, el tiene el don para exibirse en público y volver a las mujeres locas solo acompañado por un poco de ropa de cuero, luces bajas y un fuerte caño de acero inoxidable.

Strippers fue como notarán por la cantidad de páginas, creado para el concurso de manga de editorial norma. Mi intención era la de hacer un manga un poco más realista a lo que estamos acostumbrados. Tocar temas un tanto mas adultos sin necesidad de caer en discursos morales ni dosis de azúcar directo a las venas. Mi intención fue empezar una historia con elementos de la vida cotidiana los cuales muchas veces olvidamos cuando creamos un manga pero que están ahí en la calle, en la realidad, recordándonos día a día que a veces la realidad supera la ficción. Es decir, ¿Alguien podría restarle importancia o decir que no es digno de estar en un manga un embarazo adolescente o el tedio de un hombre que por sus responsabilidades familiares debe ir día a día a un empleo que lo enferma?

Ahora la pregunta es: ¿Qué hago con strippers? ¿Lo guardo en los rincones más olvidados de mi ordenador para solo recordarlo un día que me tropiece con el buscando algún otro archivo? ¡Por supuesto que no! ningún manga está hecho para ser guardado si no que para leerlo por lo cual les dejo a vuestra disposición este pequeño one shot de ocho páginas que tal vez pueda ver la luz mas adelante con algunas páginas mas.

Hardventure - Capítulo 1

"Dynk y Raven son dos cazarecompensas, Maestro y alumno respectivamente que viajan por Gaia junto a Pankun, su "mascota" en busca de la llamada POCIÓN MAGNA, la poción definitiva. En una de sus misiones conocen a Melian, una chica que les invita a conocer a su familia pero tiene algo entre manos..."

Hardventure de BoNoi es una historia que fue publicada a ya hace su tiempo en los foros de Sutori (En ese tiempo usermanga), pero ahora vuelve con un Remake que trae consigo toda la experiencia adquirida por la primera versión, con mejoras no solo en dibujo, sino también en guión. Un manga que recomiendo, especialmente para los amantes del shonen.

Sin más, los dejo con el primer capítulo de Hardventure:

Y recuerden visitar su blog, para saber más sobre sus proyectos.

¡Nos vemos!

Speedpainting de una página de manga en Photoshop

¡Hola a todos!

Hoy os traigo un speedpainting de mi manga Nagare, en concreto de una de las páginas del capítulo 5. El proceso de crear manga es muy largo, y en esta parte en concreto, de lo que se trata es de poner los grises.

Speedpainting de página de manga (Nagare) from Mangaka Enmascarada on Vimeo.

Según el autor, las páginas tendrás más o menos tonos de grises, o predomino de la línea, o serán sólo en blanco y negro. Esta es la forma en la que yo lo hago… como véis, es enteramente en Photoshop (CS4) y usando masas de grises en lugar de tramas (es decir, con puntitos)

En fin, ¡espero que os sirva de algo!

¡Nos vemos en la próxima entrada! ¡Un abrazo!

Capa o Layer de tramas - Manga Studio Ex4

Anteriormente he respondido como usar las tramas en este programa, pero nunca he entrado en detalle de como se usan las tramas.

Aquí hablaremos de las tramas especiales del Manga Studio las cuales son capas o layers, al usar una trama este layer se crea y solo necesitamos pintar de negro en la capa lo que queramos que sea la trama. La gracia de esto es que si queremos editar las propiedades de la trama no necesitamos pintar todo de nuevo, solo apretar sobre ella. Pero eso lo veremos más adelante.

También hay algunas tramas que no se hacen de esta forma, pero esas hablaremos en otra entrada.

Otro detalle importante a entender es como se llaman las tramas y que significan. Para las tramas básicas o de punto es la siguiente:

"42.5 L 30%"

42.5 significa la distancia entre los puntos y el 30% es el tamaño de los puntos. No sé exactamente en que medida estan, pero si vas comparando entre una trama y otra se ve que mientras más alto el L estan más distanciados los puntos y, como se ve en la imagen, mientras más alto el porcentaje más grandes son los puntos (Por lo tanto, se genera un "gris" más oscuro)

Hay muchos más detalles, pero prefiero pasar a como generar un layer de trama y que tipo de layers de trama se pueden hacer.

Efectos básicos con Photoshop - Estilos de capa

Esta entrada va dirigida a los que estáis empezando con programas de imagen digital como Photoshop, y pretendo repasar de forma rápida y sencilla algunos efectos que podéis darle a vuestros dibujos. Al principio estos efectos llaman mucho la atención, pero después pasan los años y empiezas a aborrecerlos un poco, buscas más lo natural, lo artesano, y dejas estos efectos para ser usados en pocas ocasiones y con mucha sutileza.

Si no son muy adecuados para colorear en estilo manga, sí lo podrían ser para acompañar vuestras imágenes estilo anime. ¿Vamos entonces? Entra en la noticia.

Cómo dibujar cómics por "El Listo"

Escrito por El Listo:

Os váis a reir, pero el año pasado una profesora de Educación Visual y Plástica me invitó a compartir mi experiencia como dibujante de cómics y mis conocimientos sobre el tema con sus alumnos de la ESO. Primero pensé que no podía hacerlo porque me he acostumbrado a dibujar mis cosillas a mi manera, pero lo que son conocimientos no me sonaba tener ninguno. Luego, sin embargo, me fui entusiasmando y fui pensando sobre lo que dibujaba y sobre lo que leía y sobre cómo dibujaba lo que dibujaba y sobre cómo leía lo que leía, y fui tomando notitas. Y ahora, aún a riesgo de causar un daño irreparable a las futuras generaciones de artistas del noveno arte, ahora me ha dado por compartirlo.

Clicad aquí para leer el artículo: Cómo dibujar cómics:

En realidad el cielo no te sonríe, pero a tu cerebro le da igual.

JohanDark:

Recomiendo esta lectura encarecidamente, pues aunque no te enseña a "cómo dibujar cómics" Sí te enseña a "ver" los cómics de forma distinta. (Algo parecido a lo que hizo magistralmente Scott McCloud con su "ENTENDER EL CÓMIC", una lectura también altamente recomendable).

Akuma No Doragon - Capítulo 11

Llegó un nuevo capítulo de Akuma No Doragon, autoría de Megu Chan.

Tucker Doragon es un cazador de demonios con un serio problema de mal humor, que en una misión se encuentra con Candy, una chica distraída y de personalidad opuesta a la suya, que termina siguiéndolo.

En este nuevo capítulo Tucker sale a dar un paseo, pero una amenaza latente interrumpe con su tranquilidad. Incluye la sección "Inserte nombre del Extra", en el que los fans les hacen preguntas a los personajes y éstos les responden, de una manera muy cómica. También una serie variadas de fanarts de los lectores.

Como podrán observar, el estilo de Megu es impecable y demuestra una gran calidad artística.

Disfruten de la lectura en el siguiente link:

DESCARGAR AKUMA NO DORAGON CAPÍTULO 11 (DEVIANTART)

Jueves - Capítulo 6

Y después de una larga ausencia, de la que debo sin duda disculparme, vuelvo con el nuevo capítulo de Jueves, el penúltimo, el Día de Axel. En este capítulo se desvela lo que Axel estuvo haciendo durante el Miércoles que sus amigos no paraban de verle en todos lados.

Este capítulo es el que da paso a la conclusión, que veréis en el próximo (y último). Tengo la intención de que sea un final algo emotivo, y puede que épico, a ver que sale. Mientras tanto, disfrutad de este, que os aclarará algunas dudas.

Ganador del Concurso Manga Ficomic 2012

El concurso de Manga de Ficomic, que se celebra cada año en la víspera al conocido Salón del Manga de Barcleona, ya tiene ganador este año. Se trata de Eduard Balust, con su manga "La trucha arcoíris", que ha sido vencedor de entre los 31 mangas participantes.

Ganar este concurso es una buena carta de presentación para ganar puntos con las editoriales a la hora de ver tu trabajo publicado, así que ¡enhorabuena por Eduard! Si queréis participar el año que viene estad atentos a las convocatorias que suelen ser cuando se acerca el verano. Os dejo con el manga ganador:

Ediciones Babylon abre un plazo para evaluar trabajos literarios en castellano

Este blog está basado en la creación de manga, pero sabemos que por aquí muchos de vosotros estáis interesados en la escritura e invención de historias. La editorial española Ediciones Babylon abre un periodo de recepción en el que recibirá cualquier obra literaria en castellano para ser revisada y evaluar si pueda ser publicada o no. Si estáis interesados y tenéis un proyecto, tenéis que enviarlo por correo a publicaciones@edicionesbabylon.es entre los días 30 de septiembre y 1 de octubre de 2012. Como dice en sus normas tan sólo tendríais que enviar las 50 primeras páginas de la supuesta novela.

¡Ánimo a todos los escritores que quieran dar el paso! Si no os da tiempo a tener algo para esa fecha, quizá esta noticia sirva para que os animéis a comenzar un proyecto y esperar a otro plazo de recepción o a enviarlo a cualquier otra editorial.

Si lo que os interesa es publicar vuestro manga, la recepción de trabajos manga/cómic siempre está abierta, y podéis enviar vuestro proyecto a la editorial cuando queráis para que se evaluado siguiendo estas pautas.

Composición de páginas mediante plantillas

¡Hola a todos!

La composición de nuestras páginas es algo que no podemos dejar para el último momento: cuanto más las planifiques durante la fase del storyboard, el resultado será mejor.

Pero a veces, parece que hacemos siempre el mismo esquema de viñetas y nuestro cómic se vuelve repetitivo… para ayudarnos con eso, el usuario ~manga-template de DeviantArt, nos presenta muchas plantillas diferentes de libre uso. Podéis verlas una por una en su página o descargarlas todas directamente aquí. También podéis encontrarlas listas para imprimir (como en la imagen de arriba) desde este link.

Por supuesto, este no es un recurso del que debamos abusar: no tenemos por qué hacer nuestras páginas tal cual estas plantillas, es mejor si las utilizamos como inspiración para hacer las nuestras propias o como una base que adaptar a lo que queremos contar en cada página.

Y no sólo eso, recordad que cada tipo de historia o de situaciones se narran a un ritmo distinto y por ello con una disposición de viñetas distinta. Es decir, no todas las plantillas son apropiadas para todo.

Espero que os sean útiles. ¡Nos vemos en la siguiente entrada!

5 elementos - Capítulo 40

Hacía tiempo que no publicaba en Sutori un capítulo de manga por no saturar demasiado, pero vuelvo a las andadas con el más reciente capítulo de 5 elementos, el capítulo 40. Debido a la extensa longitud de la saga 4, decidí cortar las publicaciones en abril de 2012 porque consideré que el capítulo 39 era perfecto para cortar una temporada debido a que termina relajado, y el capítulo 40 era bueno para comenzarla, ya que es suave pero deja una curva final lista para que el lector se enganche a una nueva tanda de capítulos.

La verdad es que si algún día tenéis pensado hacer una serie larga vais a tener que pensar en este tipo de cosas, en cómo dosificar los capítulos para crear el mejor equilibrio posible entre la satisfacción del lector y la realidad de hacer posible la producción (es decir, que al lector le satisfaga el ritmo dentro de vuestras posibilidades de producir más capítulos).

Aquí os dejo con el capítulo.

El capítulo:

Perspectiva fácil en Photoshop CS5 por QnanG5284

QnanG5284 publicó hace poco en subcultura un videotutorial para poder hacer perspectivas en Photoshop CS5 que creo que podría ser útil para los que empiezan con el dibujo digital.

Sin más que decir, les dejo con QnanG5284 y su video:

El estereotipo en el cómic

¡Hola a todos!

Hoy me gustaría hablar de algo que veo bastante importante, y es el uso de los estereotipos en el cómic.

Hoy en día los estereotipos se rechazan de forma sistemática, entre otros motivos porque la masividad de un producto (en este caso el manga) uniformiza el mercado. Eso nos obliga a innovar para que nuestra obra pueda destacar sobre las demás en ingenio, tema, estilo… etc. Y realmente, creo que es a lo que un buen autor debería aspirar.

Pero, ¿qué es un estereotipo? Para ello os dejo con un fragmento de Will Eisner en su obra La narración gráfica.

El diccionario define estereotipo como una imagen o idea aceptada comúnmente por un grupo o sociedad con carácter inmutable. Como adjetivo, estereotipado se aplica a los gestos, fórmulas, expresiones, etc., que se repiten sin variación. La palabra estereotipo tiene una mala reputación, no sólo por lo que implica de trivialidad, sino también por servir como arma de propaganda o racismo. Al pretender simplificar y catalogar una generalización, puede resultar perniciosa o, como mínimo, ofensiva. La palabra procede del método usado para moldear placas duplicadas en la impresión tipográfica. Al margen de esta definición, la palabra estereotipo es toda una realidad en el mundo de los cómics. Se trata de una necesidad detestable, una herramienta de comunicación que es ingrediente ineludible en la mayoría de las caricaturas. Pero dada la función narrativa del medio, ello no debería constituir sorpresa alguna.

Ahora que ya tenemos claro lo que es un estereotipo… ¿por qué dice Eisner que son una “necesidad detestable”? ¿son realmente necesarios? Es más, ¿es que pueden sernos de utilidad?

El arte de la historieta consiste en mostrar la conducta humana de manera reconocible. Los dibujos son reflejos en un espejo y, para visualizar una idea o proceso rápidamente, se requiere que la memoria del lector esté provista de un buen caudal de experiencias. De ahí la necesidad de simplificar las imágenes hasta convertirlas en símbolos repetidos. Ergo, estereotipos. En el cómic, los estereotipos se sacan de unas características físicas comúnmente aceptadas y asociadas a un oficio. Dichos estereotipos se vuelven iconos y se usan como parte del lenguaje de la narración gráfica.

Bien, tras estas pequeñas referencias a Eisner, podríamos resumir las ventajas del uso de clichés en tres:

Rapidez para expresar un concepto, idea o comportamiento.
Efectividad para provocar una respuesta en el lector.
Recurso para situaciones de humor (como caricatura, exageración.. )

Señalar los propios estereotipos en el mismo manga
también puede ser un recurso humorístico. (Viñetas de Raruto, obra de Jesulink)

Pero no podemos olvidar la parte negativa de estas características preconcebidas (falta de originalidad, estancamiento en creencias o formas de pensar del pasado, posibilidad de resultar ofensivo… etc)

Hetalia utiliza estereotipos de muchos países de una forma amistosa...
aunque la percepción depende en gran parte del espectador.

Sin embargo, cada lector es único, y cada autor también. Los habrá que prefieran no salirse de un marco, con los pros y los contras que conlleve: hay personas que están enamoradas de un determinado género (pongamos como ejemplo el shojo), y eso incluye a sus características generales y sus estereotipos. Un autor puede no sentir la necesidad de innovar y estar cómodo trabajando con clichés. Quizá porque eso fue lo que le gustó de ese género en un principio.

Y de ahí vamos a otro punto: el uso de unos estereotipos muy marcados puede asegurarte un público que precisamente busca eso, pero alejar de forma automática a los lectores ávidos de nuevas historias. Eso sí, tened en cuenta que en el mundo profesional, la intención de las editoriales suele ser buscar historias originales y diferentes.

Podemos concluir que este tema es una decisión personal del autor. Tendemos a criticar los estereotipos, pero a veces eso atrae un público muy numeroso y pueden ser usados a nuestro favor (para expresar rápidamente, crear situaciones humorísticas...) Además, muchas veces usamos elementos estereotípicos sin darnos cuenta de ello, ya que forma parte de nuestra condición humana.

No todo es blanco o negro, y creo que simplemente debemos desarrollar nuestro trabajo como a nosotros más nos guste. Nunca dejamos de aprender, y tenemos tiempo para probar cosas muy diferentes, equivocarnos… El cómic trata de comunicar, y tenemos muchas herramientas para ello: diálogos, dibujo, onomatopeyas, líneas de acción… ¿Por qué no estereotipos?

Nos vemos en la siguiente entrada, ¡un abrazo!