Dibujo de escenarios #1 - Viviendas de diferentes lugares y épocas

La arquitectura es un arte que crea espacios.

Investigar sobre las construcciones de diversas culturas y épocas supone sumergirnos de lleno en un mundo amplio, demasiado amplio. Ese mundo tan amplio se intenta clasificar, acotar y universalizar mediante el vocabulario.

Palabras referidas a la historia del arte y la arquitectura hay muchas, y gran parte de ellas no las manejamos en nuestro día a día. Poner un glosario me ocuparía la mayor parte de la entrada y no estaría tratando el tema que nos ocupa. Por eso, os facilito un diccionario virtual y visual que os puede ayudar, aunque por Internet hay muchos.

El vocabulario os será muy útil para buscar información, fotos o para saber de qué os están hablando, pero no significa nada si no lo ligamos con un contexto. En el arte, no es tan importante el qué (pues lo que se ve a simple vista es algo que todos podemos percibir) como el por qué de las cosas, todo lo que hay detrás de la obra. En la arquitectura (como en el arte), la casualidad no existe.

Si vais a crear vuestros propios edificios (por ejemplo, vuestra historia está en un mundo fantástico), siempre partiréis de la base (voluntariamente o no), de lo ya conocido. Adaptad vuestras construcciones a vuestro mundo, de forma que sean plausibles y no desentonen. En este tutorial, entre otras cosas, vamos a ver cómo hacer eso de una forma más o menos genérica.

Captar la esencia de nuestros personajes con "Icon Generators"

¡Hola a todos!

Estamos ya a finales de Agosto, mes de vacaciones para muchos y para otros… puede que no tanto. En todo caso, si el aburrimiento os asalta de vez en cuando, os traigo algo que os ayudará y que también podemos integrar a nuestro aprendizaje como creadores de cómic.

Se trata de los generadores de avatares, chibis, iconos, personajes y esa larga lista de aplicaciones o minijuegos en las que más de uno se habrá entretenido alguna tarde. Encontramos de todo: algunos más sencillos y otros con infinitas muestras de vestuarios, peinados y demás. Y en este caso, para nosotros, me gustaría abogar por la sencillez, por lo esencial.

En concreto, os recomiendo el “Square Face IconGenerator” de icongenerator.net. (La página tiene una versión en japonés y otra en inglés, pero de todas formas, es muy intuitiva así que no encontraréis hay mayor problema).

¿Y por qué éste en concreto? Me ha parecido interesante porque con unas relativamente pocas variables, tenemos que captar la esencia de nuestros personajes (ni más ni menos que sólo con su rostro y expresión)y a la vez, hacerlos diferenciar (o no, depende de nuestras intenciones xD).

También podéis jugar a generar nuevos personajes y probar nuevas posibilidades. Es bastante entretenido, y a la vez que nos divertimos practicamos sin darnos cuenta cosas fundamentales (al menos en mi opinión): la capacidad de síntesis y la captura de lo esencial;  y la expresión facial como expresión interna, o como característica propia.

Como veis, yo hice lo propio con bastantes de mis personajes (he de admitir que en uno hice un poco de trampa y lo retoqué Photoshop) y hasta me atreví con algunos de autores de Sutori. ¿A cuáles reconocéis?

Lo siento por los autores, iba con buena intención, de verdad (XD)

Si queréis recomendar algún generador en particular o mostrar vuestros personajes y su “otro yo”, os animo a enlazarlo en los comentarios.

¡A pasarlo bien y nos vemos en la próxima entrada!

Tutorial de coloreado en Photoshop (por Enmascarada)

¡Hola a todos!

Aunque en Sutori ya hay varios tutoriales de coloreado digital (y en Internet, todavía más), me gustaría aportar mi granito de arena. Y es que, ¡siempre es interesante y enriquecedor conocer otros métodos!

Este coloreado se realizó en Photoshop CS4, aunque las ideas y principios en los que se basa se pueden aplicar en multitud de programas. Básicamente son: el uso de sombras tanto duras (“tipo anime”) como difusas, y el empleo de capas en “modo multiplicar”.

Antes de nada, me gustaría mencionar a Xamag, usuaria de Deviantart cuya técnica de coloreado me ha aportado e influenciado mucho, en especial el uso de determinados colores para las sombras.

¿Todo listo? ¡Pues vamos allá!

La muerte en la ficción

Antes de empezar, la muerte es siempre un tema difícil, y lamento si a alguien no le resulta oportuno, ya que mi intención no es ofender o frivolizar. Es algo que forma parte de la vida, y si queremos hacer a nuestros personajes creíbles y humanos, esta es una parte que hay que investigar y comprender… ¡como todas las demás!

Y es que muchas veces da la impresión de que en la ficción, tratamos la muerte de forma poco realista o sin un objetivo concreto y bien meditado.

Cómo modular nuestro trazo sin pluma

¡Hola a todos!

Si os habéis fijado, las líneas moduladas (con distintos grosores) son muy comunes en el manga y el cómic, y lo cierto es que dan un aspecto mucho más profesional. Se producen de forma natural cuando con la pluma variamos la presión al entintar. Igualmente, algunas tabletas digitales reproducen también esa presión.

¿Pero qué pasa si no tenemos pluma o nuestra tableta es muy básica? No te preocupes, ese efecto también se puede conseguir haciendo un poco de “trampa” y falseando la línea. ¿Quieres aprender cómo? ¡Pues vamos allá!

Esterotipos en el cómic II

¡Hola a todos!

Si recordáis, en una entrada anterior traté el tema de los estereotipos en el cómic, llegando a la conclusión de que no debemos rechazarlos de entrada, sino también considerarlos como una poderosa herramienta: nos dan rapidez para expresar un concepto, carácter o comportamiento, son fácilmente identificables, y nos pueden dar juego a la hora de crear situaciones de humor. (El estereotipo en el cómic I)

Sócrates, Platón, Descartes, Husserl y otros muchos filósofos los rechazaban sistemáticamente, y es que nos impiden llegar a lo que llaman el verdadero saber o bien a la realidad tal como es. 

Pero si hago esta nueva entrada no es para hablar de filosofía, ni de las ventajas ni inconvenientes del uso y abuso de esterotipos (que fue lo que intenté tratar en la entrada anterior de una forma general)

En esta nueva entrada me gustaría mostrar algunos curiosos ejemplos que espero que enriquezcan la entrada anterior.

Esta es una página del libro How to draw anime and game characters. Como veis, nos están dando unos consejos de diseño de personajes, y en ellos nos dicen prácticamente cómo debe ser cada personaje según la misión que tiene en un supuesto equipo: peso, altura… etc. Y ahí, implícito, tenemos otro canon: en todo grupo de personajes, cada uno tiene un papel, una misión… y en teoría, un diseño acorde a él. ¿Creéis que esto sucede en un grupo de amigos normal y corriente? 

Aprovechando eso, si queréis crear algo más original, podéis probar a "darles la vuelta" a los estereotipos. Sorprended al lector con lo insólito, con lo que no se espera. Por ejemplo, ¿en cuántos shojos la protagonista tiene unos kilos de más? Podéis intentar lo mismo pero con la parte psicológica, que realmente es la más compleja e interesante.

De todas formas (volvemos a lo anterior), si lo que queremos es rapidez para expresarnos y facilidad para conectar con el lector, los estereotipos son nuestra arma. Si os interesa el tema de los prototipos para cada personaje, podéis pasaros por el taller de manga de Jesulink y leer los artículos de "Arquetipos manga".

El siguiente ejemplo es interesantísmo. Eisner, (en su libro La narración gráfica) nos muestra cómo asociar los rasgos del rostro a los de un animal nos evoca una u otra personalidad.

Puede ser de una forma más o menos caricaturesca, de una forma más o menos sutil.. pero los rasgos de la cara nos transmiten mucho. Evidentemente, una persona cualquiera no tiene por qué responder a esto: ¿será alguien astuto solo por tener el rostro afilado? Bueno, es cierto que hay un disciplina (pseudociencia, más bien) que afirma que sí, y que estudia los rostros de las personas para comprender su carácter (si os apetece investigar, se llama fisiognomía). Pero en mi opinión, si en la realidad confiáramos ciegamente en ello, también estaríamos creyendo que los seres humanos estamos determinados por algo como nuestro físico. Como veis, el tema de los estereotipos choca continuamente con cuestiones filosóficas y antropológicas.

Volviendo al tema, a parte de estos estereotipos físicos (perfectos para quienes les encante dibujar) tenemos otros más propios del género, de la historia en sí, de la forma de contarla o de la forma de actuar de los personajes: protagonista huérfano, un chico corriente que resulta tener un “poder” especial, malos que cuentan su plan maligno cuando ya tienen atrapado al héroe, historias de amor en la que no falta el tercero en discordia…etc.

Estereotipos hay miles (¿cuáles se os ocurren a vosotros?), tanto físicos como de otro tipo, y dependen según la sociedad. Ir descubriéndolos puede ser muy interesante, ya que además puedes aprender más sobre la sociedad, su mentalidad y nuestra propia forma de ver el mundo… la cual por desgracia, muchas veces esta llena no sólo de estereotipos sino también de prejuicios.

Y ya sólo nos quedará saber utilizarlos de la forma más sabia e inteligente posible, sin abusar de ellos y teniendo unos objetivos e intenciones claros a la hora de usarlos… lo cual sólo se consigue con práctica. De todas formas, busca tu propio estilo, no sólo dibujando, si no también creando historias, imaginando mundos, creando la personalidad de personajes… es decir, desarróllate creativamente en todos los sentidos que pueda. Y sólo por si acaso, ten siempre bajo la manga el recurso de los estereotipos.

Nos vemos en la siguiente entrada, ¡un abrazo!

Neotenia y arte

¡Hola a todos!

Para esta entrada he recuperado un pequeño trabajo que tuve que hacer para CMC (Ciencias para el Mundo Contemporáneo). En ella hablo sobre la neotenia, algo que podemos aplicar a nuestros dibujos (ver "cómo dibujar una chica moe" por jesulink) o al menos para comprender por qué una cosa es “mona” y adorable y otra, no. Eso sí, como era un trabajo de ciencias esta entrada será más teórica que práctica. En todo caso, ya tendréis algo de lo que hablar con vuestros vecinos cuando subáis en el ascensor (bueno… tal vez no). ¡Espero que os sea útil!

En el libro El pulgar del panda , de Stephen Jay Gould (biólogo y divulgador), se recoge un artículo con motivo del 50 aniversario de la creación de Mickey Mouse, titulado Un homenaje biológico a Mickey Mouse.

Caricatura de Gould en "Los Simpsons"

En él, explica la ciencia a través de la cultura popular al comparar la evolución de Mickey desde sus inicios hasta la actualidad y la evolución del ser humano como especie.

Observa Gould que el primitivo Mickey Mouse era un personaje malicioso, e incluso cruel. Hay que tener en cuenta que el público que consumía esos primeros dibujos animados eran tanto infantil como adulto , aunque con el tiempo, el éxito de esos dibujos fue haciéndose mayor entre los niños y, por eso, la conducta de Mickey fue adaptándose a ellos.

Ahí está lo interesante. Dicha evolución fue acompañada también por un cambio progresivo en el dibujo y el aspecto. Por un lado se hizo más bueno y mucho menos agresivo, y, por otro, fue cambiando su fisonomía, cambiando los rasgos adultos por otros más infantiles: aumentó el tamaño de los ojos, de la cabeza, la bóveda craneal se hizo más esférica, el hocico más corto, las orejas adelantaron su posición en la cabeza, las piernas se hicieron más gruesas y el tamaño relativo de sus extremidades respecto al tronco más corto. Sin embargo, Mickey siguió siendo conceptualizado como un adulto, no como un niño, si bien con la presencia de rasgos juveniles en su madurez.

Y ese proceso, en la biología, se llama neotenia. (proceso biológico por el cual una especie adulta retiene rasgos infantiles) ¿Para qué? Fundamentalmente, como un reclamo de cariño. Muchas especies animales poseen el instinto de cuidar y proteger a las crías, y una manera de potenciar ese instinto es que se mantengan rasgos juveniles.

A principios de los años 70 el biólogo Konrad Lorenz estudió como los rasgos infantiles nos resultan más agradables tanto cuando los vemos en nuestra especie como cuando los vemos en otros animales.

También objetos inanimados pueden ser objeto
de la neotenia

Hay varias especies de animales reales que presentan neotenia, como el avestruz. En el ser humano también se pueden apreciar varios rasgos fruto de la neotenia, como el poco pelo que cubre nuestro cuerpo, la cabeza agrandada y redondeada, la tolerancia a la lactosa, etc. Todos ellos son compartidos por los bebés de los primates, pero ellos continúan con su desarrollo hacia sus formas adultas mientras que nosotros, al tener un desarrollo muchísimo más lento, nos detenemos conservando esos rasgos infantiles en el estado adulto.

Esta acentuación de los rasgos infantiles se encuentra también en el manga, en personajes como ET, e incluso aunque parezca sorprendente, en Smeagol de El Señor de los Anillos.

Zen Pencils - Recopilatorio navideño

¡Hola a todos!

Es Navidad, época del año en la que, entre otras cosas, todo el mundo se hace regalos y parece que quiere un poco más a los demás (XD). Así que aprovechando estas fechas tan bonitas, me gustaría compartir con vosotros un pequeño recopilatorio de tiras de Zen Pencils. Probablemente, muchos ya lo conoceréis, pero para los que no: el autor elige una frase célebre o un proverbio y a partir de ello hace una tira. He recopilado aquellas que  tienen que ver con el tema (directa o indirectamente) que nos ocupa a muchos de nosotros: la creación artística. Aunque bueno, estas frases valen para muchas situaciones u ocupaciones distintas…

Por ello mismo, hay muchas más que podría haber puesto y me he dejado, pero si tenéis curiosidad, esta es la página del autor.

¡Espero que os gusten y os inspiren! Las traducciones (o un intento de ello XD) están debajo de cada tira, por si las preferís así.

Elige un trabajo que ames y no tendrás que trabajar un solo día de tu vida. Confucio.

A veces la vida es dura. Las cosas se tuercen. En la vida, y en el amor, y en los negocios, y en la amistad, y en la salud, y en todo lo demás, la vida puede torcerse. Y cuando las cosas se ponen duras, esto es lo que deberías hacer. Haz. Buen. Arte. Tu marido se fuga con una política… haz buen arte. Una boa constrictor mutante tritura tu pierna y luego se la come… haz buen arte. Hacienda se cruza en tu camino… haz buen arte. Tu gato explota… haz buen arte. Alguien en Internet piensa que lo que estás haciendo es estúpido, o malo o ya ha sido hecho antes… haz buen arte. Haz lo que sólo tu puedes hacer mejor… haz buen arte. Neil Gaiman.

Las artes no son una forma de ganarse la vida. Son una forma muy humana de hacer la vida más llevadera. Ejercer un arte, no importa cómo de bien o de mal, es una forma de hacer crecer tu alma. Canta en la ducha, baila con la radio, cuenta historias, escribe un poema a un amigo… incluso un poema pésimo. Hazlo tan bien como puedas. Conseguirás una enorme recompensa. Habrás creado algo. Kurt Vornegat.

-¿Sabes?, he tenido tanto una familia como un trabajo… algo ha estado siempre en lo correcto. Pero ahora he vendido mi casa. He encontrado este lugar, un gran estudio. Tendrías que ver el espacio y la luz. Por primera vez en mi vida… voy a tener un lugar y el tiempo para crear. -No cariño, si vas a crear… vas a crear aunque trabajes 16 horas al día en una mina de carbón. O vas a crear en una habitación pequeña con 3 niños mientras recibes asistencia social. O vas a crear cuando parte de tu mente y tu cuerpo hayan volado. Vas a crear ciego, tullido o loco. Vas a crear con un gato subiendo por tu espalda mientras la ciudad entera tiembla por terremotos, bombardeos, inundaciones y fuego. Cariño, aire y luz y tiempo no tienen nada que ver. Y no crean nada… salvo quizá una vida más larga para encontrar nuevas excusas. Charles Bukowski.

Sea lo que sea que quieras hacer, o que sueñes con poder hacer, comiénzalo. La osadía tiene genialidad, poder y magia.

Un maestro en el arte de vivir no ve una clara distinción entre trabajar y jugar. L.P. Jacks.

Tu tiempo es limitado. Así que no la malgastes viviendo la vida de otros. No quedes atrapado por el dogma, lo que sería vivir con el resultado del pensamiento de otras personas. No dejes que el ruido de las opiniones ajenas ahogen tu propia voz interior. Y lo más importante… ten el valor de seguir tu corazón y tu intuición. De alguna manera, ellos ya saben en lo que quieres convertirte realmente. Todo lo demás es secundario. Steve Jobs.

Salón del Cómic de Zaragoza - España

Los días 14, 15, y 16 de Diciembre (de este mismo viernes al domingo), se va a celebrar en Zaragoza el Salón del Cómic, que pese a no ser de los más grandes de España, merece la pena ser conocido y visitado.

Se celebra en la Sala Multiusos del Auditorio de Zaragoza. Al ser un Salón del Cómic (y no específicamente de Manga) hay autores, charlas y presentaciones para todos los gustos (si bien es cierto que lo japonés tiene cada año más presencia). Precisamente para los aficionados al manga, uno de los autores más importantes será Kenny Ruiz, que viene a presentar Malefic Soum.

La entrada es de un euro, y si sois menores de 12 años os dejan entrar gratis (así que, jóvenes, aprovechad, ¡que luego de mayores echaréis de menos pasar gratis a los eventos!).

Personalmente, me parece que es un Salón con una gran diversidad, con propuestas de ocio muy interesantes (cómo no, no puede faltar el concurso de cosplay, diversas gymkanas, musicales y videojuegos), y una gran presencia de fanzines y autores muy diferentes, lo que genera un público muy heterogéneo. Además, es un Salón que cada año va creciendo en público, pero aun así es perfecto para aquellos que no quieran grandes multitudes… dentro de que en un Salón del Cómic las multitudes y el “calor humano” son algo intrínseco (XD).

Toda la información (stands, autores, contacto… etc), está en esta página. 

¡Un abrazo a todos y hasta la próxima entrada!

Segundo Aniversario

 

 Cualquier coincidencia con la realidad, es verdad, porque esta conversación realmente paso (Con faltas de ortografía incluidas)

El aniversario de Sutori no es en buena fecha, exámenes finales, eventos, navidad, quién sabe que más... Pero ahora si, nos hemos preparado, no tenemos un super tutorial pero si algunas sorpresas que espero que les gusten.

22 consejos para un buen guión - Emma Coats (Pixar)

¡Hola a todos!

Emma Coats, artista de storyboards en Pixar, fue recopilando algunos consejos para la creación de historias durante la elaboración de Brave. Este fue el resultado, 22 pequeñas lecciones que nos enseñan mucho:

1.- A los personajes se les admira más por lo que intentan que por lo que consiguen.

2.- Ten en mente lo que te interesa en tanto que miembro del público, no lo que consideras más divertido en tanto que escritor. Las dos cosas pueden ser muy distintas.

3.- Tener claro el asunto es importante, pero no tendrás claro de qué va la historia hasta que hayas llegado al final. Ahora, a reescribir.

4.- Érase una vez un (o una) ___. Todos los días, ___. Pero un día, ___. Y, por eso,  ___. Y, por eso, ___. Hasta que, finalmente, ___.

5.- Simplifica. Céntrate. Funde unos personajes con otros. Salta por encima de las ramificaciones. Te parecerá que estás dejando atrás cosas valiosas, pero en realidad te estás liberando.

6.- ¿Qué se le da bien a tu personaje? ¿Qué le hace sentirse cómodo? Enfréntale a su opuesto matemático. Ponle a prueba. ¿Qué tal se las apaña?

7.- Ten claro tu desenlace antes de haber llegado al nudo. En serio. Los finales son lo más difícil, ten el tuyo preparado cuanto antes.

8.- Termina tu historia, y ciérrala incluso si no te ha quedado perfecta. En un mundo perfecto, tendrías las dos cosas [un final y una historia perfecta]pero debes seguir adelante. Hazlo mejor la próxima vez.

9.- Cuando estés atascado, haz una lista de cosas que NO van a ocurrir a continuación. En muchos casos, así encontrarás las ideas que te sacarán del apuro.

10.- Disecciona las historias que te gustan. Lo que amas en ellas es una parte de ti: debes reconocerlo antes de aprender a usarlo.

11.- Poner tus ideas sobre el papel te permite empezar a trabajarlas. Una idea perfecta que sólo está en tu cabeza es una historia que nunca compartirás con nadie.

12.- Desecha la primera cosa que se te venga a la mente. Y la segunda, y la tercera, y la cuarta, y la quinta… Deshazte de lo obvio, sorpréndete a ti mismo.

13.- Dales opiniones a tus personajes. Los pasivos y los manejables pueden resultarte simpáticos a ti, que eres el que los escribe, pero son veneno para la audiencia.

14.- ¿Por qué debes narrar precisamente ESTA historia? ¿De cuál de tus pasiones se alimenta tu relato? Esa es la clave del asunto.

15.- Si tú fueras tu personaje, en esta situación, ¿cómo te sentirías? La honestidad añade credibilidad a las situaciones increíbles.

16.- ¿Qué está en juego? Danos razones para querer a tu protagonista. ¿Qué ocurrirá si no tiene éxito? Ponlo todo en su contra.

17.- No hay trabajo malgastado. Si la cosa no funciona, relájate y pásate a otro proyecto. Lo que has hecho te será útil más adelante.

18.- Conócete a ti mismo: distingue la diferencia entre hacerlo lo mejor que sabes y lucirte. Narrar es una cuestión de intentarlo, no de depurarlo.

19.- Usar las coincidencias para meter en apuros a tus personajes es genial. Usar las coincidencias para sacar a tus personajes de un aprieto es hacer trampas.

20.- Un ejercicio: analiza los elementos de una historia que no te gusta. ¿Cómo los dispondrías para hacer una historia que SÍ te gusta?

21.- Identifícate con tu escenario y tus personajes, no les hagas reaccionar de forma guay. ¿Qué te llevaría a ti a actuar como actúan ellos?

22.- ¿Cuál es la esencia de tu relato? ¿Y el modo más sencillo de narrarlo? Si sabes eso, podrás empezar a trabajar.

¡Espero que os sirvan y hasta la próxima entrada!

Speedpainting de una página de manga en Photoshop

¡Hola a todos!

Hoy os traigo un speedpainting de mi manga Nagare, en concreto de una de las páginas del capítulo 5. El proceso de crear manga es muy largo, y en esta parte en concreto, de lo que se trata es de poner los grises.

Speedpainting de página de manga (Nagare) from Mangaka Enmascarada on Vimeo.

Según el autor, las páginas tendrás más o menos tonos de grises, o predomino de la línea, o serán sólo en blanco y negro. Esta es la forma en la que yo lo hago… como véis, es enteramente en Photoshop (CS4) y usando masas de grises en lugar de tramas (es decir, con puntitos) 

En fin, ¡espero que os sirva de algo!

¡Nos vemos en la próxima entrada! ¡Un abrazo!

Composición de páginas mediante plantillas

¡Hola a todos!

La composición de nuestras páginas es algo que no podemos dejar para el último momento: cuanto más las planifiques durante la fase del storyboard, el resultado será mejor.

Pero a veces, parece que hacemos siempre el mismo esquema de viñetas y nuestro cómic se vuelve repetitivo… para ayudarnos con eso, el usuario ~manga-template de DeviantArt, nos presenta muchas plantillas diferentes de libre uso. Podéis verlas una por una en su página o descargarlas todas directamente aquí. También podéis encontrarlas listas para imprimir (como en la imagen de arriba) desde este link.

Por supuesto, este no es un recurso del que debamos abusar: no tenemos por qué hacer nuestras páginas tal cual estas plantillas, es mejor si las utilizamos como inspiración para hacer las nuestras propias o como una base que adaptar a lo que queremos contar en cada página.

Y no sólo eso, recordad que cada tipo de historia o de situaciones se narran a un ritmo distinto y por ello con una disposición de viñetas distinta. Es decir, no todas las plantillas son apropiadas para todo.

Espero que os sean útiles. ¡Nos vemos en la siguiente entrada!

El estereotipo en el cómic

¡Hola a todos!

Hoy me gustaría hablar de algo que veo bastante importante, y es el uso de los estereotipos en el cómic.

Hoy en día los estereotipos se rechazan de forma sistemática, entre otros motivos porque la masividad de un producto (en este caso el manga) uniformiza el mercado. Eso nos obliga a innovar para que nuestra obra pueda destacar sobre las demás en ingenio, tema, estilo… etc. Y realmente, creo que es a lo que un buen autor debería aspirar.

Pero, ¿qué es un estereotipo? Para ello os dejo con un fragmento de Will Eisner en su obra La narración gráfica.

El diccionario define estereotipo como una imagen o idea aceptada comúnmente por un grupo o sociedad con carácter inmutable. Como adjetivo, estereotipado se aplica a los gestos, fórmulas, expresiones, etc., que se repiten sin variación. La palabra estereotipo tiene una mala reputación, no sólo por lo que implica de trivialidad, sino también por servir como arma de propaganda o racismo. Al pretender simplificar y catalogar una generalización, puede resultar perniciosa o, como mínimo, ofensiva. La palabra procede del método usado para moldear placas duplicadas en la impresión tipográfica. Al margen de esta definición, la palabra estereotipo es toda una realidad en el mundo de los cómics. Se trata de una necesidad detestable, una herramienta de comunicación que es ingrediente ineludible en la mayoría de las caricaturas. Pero dada la función narrativa del medio, ello no debería constituir sorpresa alguna.

Ahora que ya tenemos claro lo que es un estereotipo… ¿por qué dice Eisner que son una “necesidad detestable”? ¿son realmente necesarios? Es más, ¿es que pueden sernos de utilidad?

El arte de la historieta consiste en mostrar la conducta humana de manera reconocible. Los dibujos son reflejos en un espejo y, para visualizar una idea o proceso rápidamente, se requiere que la memoria del lector esté provista de un buen caudal de experiencias. De ahí la necesidad de simplificar las imágenes hasta convertirlas en símbolos repetidos. Ergo, estereotipos. En el cómic, los estereotipos se sacan de unas características físicas comúnmente aceptadas y asociadas a un oficio. Dichos estereotipos se vuelven iconos y se usan como parte del lenguaje de la narración gráfica.

Bien, tras estas pequeñas referencias a Eisner, podríamos resumir las ventajas del uso de clichés en tres:

• Rapidez para expresar un concepto, idea o comportamiento.
• Efectividad para provocar una respuesta en el lector.
• Recurso para situaciones de humor (como caricatura, exageración.. )

Señalar los propios estereotipos en el mismo manga
también puede ser un recurso humorístico.  (Viñetas de Raruto, obra de Jesulink)

Pero no podemos olvidar la parte negativa de estas características preconcebidas (falta de originalidad, estancamiento en creencias o formas de pensar del pasado, posibilidad de resultar ofensivo… etc)

Hetalia utiliza estereotipos de muchos países de una forma amistosa...
aunque la percepción depende en gran parte del espectador.

Sin embargo, cada lector es único, y cada autor también. Los habrá que prefieran no salirse de un marco, con los pros y los contras que conlleve: hay personas que están enamoradas de un determinado género (pongamos como ejemplo el shojo), y eso incluye a sus características generales y sus estereotipos. Un autor puede no sentir la necesidad de innovar y estar cómodo trabajando con clichés. Quizá porque eso fue lo que le gustó de ese género en un principio.

Y de ahí vamos a otro punto: el uso de unos estereotipos muy marcados puede asegurarte un público que precisamente busca eso, pero alejar de forma automática a los lectores ávidos de nuevas historias. Eso sí, tened en cuenta que en el mundo profesional, la intención de las editoriales suele ser buscar historias originales y diferentes.

Podemos concluir que este tema es una decisión personal del autor. Tendemos a criticar los estereotipos, pero a veces eso atrae un público muy numeroso y pueden  ser usados a nuestro favor (para expresar rápidamente, crear situaciones humorísticas...) Además, muchas veces usamos elementos estereotípicos sin darnos cuenta de ello, ya que forma parte de nuestra condición humana.

No todo es blanco o negro, y creo que simplemente debemos desarrollar nuestro trabajo como a nosotros más nos guste. Nunca dejamos de aprender, y tenemos tiempo para probar cosas muy diferentes, equivocarnos… El cómic trata de comunicar, y tenemos muchas herramientas para ello: diálogos, dibujo, onomatopeyas, líneas de acción… ¿Por qué no estereotipos?

Nos vemos en la siguiente entrada, ¡un abrazo!