¿Cómo hacer que un personaje se vea más masculino?

Momo pregunta: El problema que tengo es que aunque las mujeres las dibujo bastante bien, los hombres me salen afeminados en el rostro o incluso en el cuerpo. Sé que se han hecho ya muchos tutoriales de como dibujar hombres pero me gustaría más bien, aparte de un tutorial, algo así como tips o consejos para dibujarlos mejor.

Minaya responde: Pediré disculpas a mis compañeros redactores de Sutori por escribir una entrada tan seguido, pero cuando leí esta pregunta me dije a mi misma "oh, es una duda que yo tenía cuando empece a dibujar ToT" que nostalgia...

Como se converso en una anterior entrada de JohanDark, dependiendo de nuestra propia experiencia a algunos se nos hace más difícil dibujar hombres y a otros mujeres por diferentes razones. Entonces, la gran duda que plantea Momo es como hacer que un hombre se vea mas masculino. Esta entrada esta dedicada a los que empezamos dibujando mejor mujeres que hombres, aunque igual puede servir para cualquiera.

Sé que no soy la mejor en anatomía dentro de Sutori, pero igual puedo enseñar ciertos detalles anatómicos a nivel de dibujo que pueden hacer que cualquier personaje, sea hombre o mujer, pueda verse más masculino ¡Vamos con ellos! 

Vista general

¿Qué es un rasgo masculino? Algo que se ve más masculino esta relacionado a la fuerza, mientras que algo más femenino esta relacionado a la delicadeza. Un personaje delgado masculino igualmente se verá más fuerte que un personaje delgado femenino. Esto es natural, ya que en composición quimica la gran diferencia entre los hombres y las mujeres es la proporción de grasa, donde las mujeres tenemos algo más de grasa que los hombres y los hombres más músculo... Bueno, hablando de personajes en su peso sano, obviamente. Un trazo más masculino es un trazo recto, mientras que un trazo más femenino es curvo.

Esta pequeña introducción es para que sepan más o menos que ver para hacer un personaje más femenino o más masculino. Hay muchos más detalles de los que puedo dar en esta entrada. 

Eso es todo, ¡Ahora si vamos con los tips!

 

Hablemos de plagio

Incarnate contiene viñetas que plagian Bleach ( Imagen: Gekkotaku - Más en Jesulink.com)

Raijin pregunta: "Hola, me gustaría saber si copiar el estilo de dibujo de otro dibujante se considera plagio, por ejemplo si dibujo un personaje como Naruto, pero le cambio el peinado, la vestimenta y en lugar de un ninja le hago jugador de fútbol, y si dibujo los arboles,las nubes,los fondos en general como los hace "Kishi" ¿estaría cometiendo un plagio? ¡Gracias!"

Responde Jesulink. Cuando estoy en un evento muchos jóvenes me suelen preguntar acerca de las imitaciones, las parodias, los homenajes, las referencias, las imitaciones, los plagios, etc. y muchos de ellos no entienden las diferencias que hay entre algunos de estos conceptos que son tan distintos.

Según el diccionario de la RAE, plagiar es "Copiar en lo sustancial obras ajenas dándolas como propias". A efectos legales el plagio se comete cuando imitas o copias algo que no te pertenece y lo haces pasar como tuyo. Sin ir más lejos, copiar un texto de una noticia redactada por otra persona en una página Web y pegarlo sin más en tu página sin utilizar comillas o sin indicar claramente que ese texto pertenece a otra feuente... ya sería técnicamente un plagio.

En la imagen expuesta se muestra el cómic estadounidense Incarnate, que plagió varias viñetas de Bleach. Se hizo eco de esto allá por 2010, puedes echarle un vistazo a la noticia aquí.

Al margen de lo que conlleve el plagio legalmente, éste también tiene una connotación social que no podéis olvidar al crear una obra. En principio, a nadie le gusta que un artista copie o imite descaradamente a otro; se supone que la mayoría de los lectores valorará ante todo la personalidad y original de los artistas. Por lo tanto, y respondiendo directamente a tu pregunta, aunque lo que hicieras no se considerara plagio, la gente podría rechazar tu trabajo si considera que no has sido creativo y no has hecho más que copiar el trabajo de otro.

Pero ya sabéis que esto es muy ambiguo. Todos los que creamos historias y personajes tenemos nuestras fuentes de inspiración, y a veces a propósito y otras veces de forma inconsciente, imitamos a nuestros autores favoritos o incluso tomamos ciertas ideas en otros trabajos que nos han servido de inspiración, pero al final, en lo más importante, en lo sustancial, nuestra obra debería tener nuestro sello y nuestra personalidad.

Que te digan "tu cómic me recuerda a..." o "tu estilo me recuerda a..." podría ser un buen comienzo para entender que has encauzado tu obra hacia una tendencia marcada, pero a la larga querrás que además de ese "me recuerda a..." los lectores puedan apreciar la personalidad propia de tu trabajo.

Hay otros términos interesantes relacionados con la toma de ideas:

• Referencia: Haces una referencia a una obra A cuando en tu obra incluyes algo que al lector le recuerda a esa obra A y sabe perfectamente que te refieres a ella. Por ejemplo, incluir el clásico "Yo soy tu padre" es una evidente referencia a Star Wars.
• Parodia. Es una versión cómica que imita otra obra. Para que la parodia sea legal debe diferenciarse bien de su original en aspecto para que los lectores no puedan llegar a confundirse y pensar que la parodia es el original; además no deberían conservar ningún nombre o logotipo registrado de la obra original. Esta legislación puede cambiar según el país.

En conclusión, diría que es bueno tomar ideas de aquí y de allá, mezclar conceptos vistos, inspirarte en otras obras o personajes, pero no copies la sustancia de una obra porque a la larga, o a la corta, casi nadie valorará tu trabajo.

Si estás empezando y eres muy joven, muchos podrían entender que imitaras plenamente a algún autor que te guste, pero pronto tus lectores te exigirán estilo propio, así que, ¿por qué no empezar a buscarlo ya?

Como consejo personal, te recomendaría tomar referencias no sólo de Naruto, sino de otros manga, libros, videojuegos, películas o series de televisión que te gusten, meterlo todo en una coctelera y mezclarlo con tu estilo propio para obtener algo que sea tuyo pero que al mismo tiempo recuerde a aquellos a los que admiras.

¿Es necesario una tableta para dibujar?

keli klei pregunta: Solo quiero saber, si es realmente necesario una tableta de dibujo, para un dibujante de manga, yo dibujo bien, pero no sé si realmente la necesito, ya que no creo que pueda comprarla.

Realmente y desde mi punto de vista no. Lo cierto es que no es imprescindible el uso de una tableta gráfica para hacer cómics. Es cierto que cada vez más autores lo utilizan para sus proyectos y que nunca viene mal experimentar con ello, pero eso no quiere decir que tenga que ser la forma correcta para hacer cómics. Es más, diría que excepto para el coloreado por ordenador no hace falta siquiera su uso. Personalmento lo hago todo a mano. Es decir, boceto-entintado-escaneo-y por último entramado e inserción de textos. En ninguno de estos pasos preciso de la ayuda de una tableta e incluso si te lo curras y tienes dinero puedes colocar tramas a mano.

La tableta, respecto con el dibujo tradicional a mano, tiene una serie de ventajas y desventajas, como puedes ver en esta entrada realizada por ivan, donde explica más detalladamente los pros y contras entre ambos entintados.

Ugnis, de Kaoru Okino. Entintado digital.

Sin embargo, aunque el entintado digital ayuda bastante con la limpieza de las páginas, eso no quiere decir que sea superior frente al tradicional, que por otro lado, da una mayor sensación de "calidez" en el trazo. Y bueno, con tableta puedes dejarte los ojos frente a la pantalla del ordenador, pero también corregir esos errores que de manera tradicional difícilmente podrías. En contra, requiere de un aprendizaje y unas cuantas horas de práctica para dominarlo y perfeccionarlo. Como todo, vamos.

Con todo esto no quiero decir que una cosa sea mejor que la otra, simplemente que SÍ es posible hacer cómics con lápiz y papel. Solo tienes que descubrir qué es lo que te conviene más para tus proyectos. Intenta probarlo todo y decidir qué es lo mejor para tí. Y sobretodo, visita ese enlace de ivan para hacerte una idea más clara. Si te interesa, las tabletas más sencillas rondan los 60€ y son suficientes como para empezar.

Para alargar esta entrada un poco más, explicaré mi propio proceso de trabajo, y que no hace uso de tableta digital (más que nada porque no sé). Vamos a ello:

Primero, para empezar diré que suelo utilizar hojas A3 para las páginas del cómic, ya que me proporcionan un mayor espacio para el dibujo que por otro lado no tendría con un formato inferior. Empiezo haciendo el propio boceto de la página a lápiz, sin detallar mucho por el momento. Luego, intento medir bien las viñetas para que sean perfectamente paralelas. Hay que tener cuidado, sobretodo si es con fines a una publicación en papel, mantener una distancia prudencial con los bordes de la página para que en el guillotinado no corte más de lo que debería.

Entintado

Después de eso paso a entintar. Utilizo rotuladores calibrados Uni Pin especiales para ello, de distintos grosores, siendo los más utilizados por mi parte el 0.05 (para fondos o pequeños detalles), 0.1, 0.2, 0.4 y 0.8 (este último solo para las líneas de las viñetas o para rellenar con negro), no son muy caros, yo los consigo por menos de 2 euros cada uno y los puedes encontrar también en packs de 3. Existen también marcas como staedler que son fáciles de encontrar incluso en grandes almacenes.

Esa es la marca que yo utilizo

Después pasamos al escaneado. Al optar por el formato A3 me es imposible escanearlo desde mi propia impresora, por lo que opto por ir a una compistería con un pendrive en la mano. Para no pillarme los dedos digo que me lo hagan a 600ppp, una calidad bastante óptima para trabajar con ellas y con el cual luego podría llevar a imprimir sin que quedara horriblemente mal.

Por último, utilizo Photoshop para el relleno de negros y para la inserción de texto en los globos correspondientes, y el Manga Studio para la colocación de tramas. Eso es todo.

Añadiendo las tramas

Espero que esta entrada os sea de utilidad y aclare un poco más vuestras dudas. Para más información podéis echar un vistazo a las entradas antiguas del resto de redactores o para algo más específico podéis hacernos vuestras preguntas en la sección "pregúntanos".

¡Nos vemos!

Cómo dibujar los pliegues de la ropa con perspectiva

Fragmento de viñeta de Bakuman

Me he encontrado en el archivo de preguntas una pregunta muy interesante de Watman, que refería a la imagen de arriba, que está extraída del manga Bakuman. Watman pregunta que por qué los motivos o tramas que corresponden a la falda o la camisa no están en perspectiva, sino completamente rectos, y que cómo se haría para hacerlo "correctamente".

En primer lugar y sin extenderme demasiado, os recuerdo que la trama en el manga es más una técnica de herencia y tradición que de necesidad y lógica. Hace muchos años las imprentas no podían imprimir los grises completamente lisos, y en su lugar aparecían líneas, puntos, motas, etc. Es por eso que el manga comenzó teniendo este aspecto y a lo largo de los años muchos mangakas siguen usando tramas que imitan las impresiones antiguas por tradición.

Lo que sucede en esta viñeta no es un error de perspectiva (el dios Takeshi Obata no comete errores), sino un hecho de tradición.

En cualquier caso, ¿cómo tendrían que dibujarse las líneas de la falda para que cumplieran con la perspectiva que les toca?

Es muy sencillo hacer esto si tienes en cuenta una sencilla relación matemática. Toda superficie puede imaginarse como una malla de cuadrados (por ejemplo, también otras figuras). Todos los puntos tienen su posición en la malla. Por ejemplo, aquí tienes una maya cuadrada, bien podría ser un trozo de tela:

Observa que las líneas A-A', B-B', etc., son paralelas, y la clave está en mantener esa relación aunque se deforme la figura. Observa este sesgado:

El dibujo habla por sí solo. En este caso hemos creado un paralelogramo y por tanto las líneas siguen siendo paralelas, pero ya no son completamente verticales. Sin embargo, aunque la posición absoluta de los puntos indicados ha cambiado, podemos intuir su posición relativa.

Si quieres algo más complicado, podemos deformar la malla con ondas más complejas:

En este caso es más difícil de entender, pero podemos concluir que el truco está en mantener las relaciones de las líneas en base a cómo eran originalmente, cuando veíamos la malla completamente recta. Las líneas de los laterales (A y D) se asemejan mucho a la forma que tienen los extremos que están a sus respectivos lados. Sin embargo, la línea B es una mezcla de 60% A y 40% D, mientras que la línea C es una mezcla de 60% D y 40% A.

Todo pliegue puede imaginarse de esa forma, aunque si cometes un error sería más evidente usando motivos cuadriculados, ya que hay que estar acertado en cada punto, como ves.

Por tanto, si quisieras que este dibujo cumpliera con esta norma, más o menos, obtendríamos una deformación en la malla de la falda que se quedaría algo parecida a ésta:

¿3D en el cómic?

Cristian pregunta: hola,quisiera saber si existe algun programa para crear o visualizar modelos en 3d de personas, para dibujar manga en diferentes perspectivas.

Bien... Respondiendo a tu pregunta: Existe.

¿Por qué las editoriales en España nos piden que dibujemos mangas cortos?

Una pregunta que los posibles futuros autores de cómic me suelen hacer en los salones de manga es: "¿Por qué las editoriales sólo aceptan historias cortas?".

Generalmente, muchos aficionados a la creación de manga reciben inspiración en populares aventuras Shonen del tipo Dragonball, Naruto o One Piece, entre otras, que son historias largas en las que los personajes van atravesando una serie de sagas.

Por eso mismo, muchos jóvenes, cuando comienzan con la creación de manga, muchos autores principiantes  confeccionan una historia larga, que podría contarse en numerosos tomos, quizá en decenas. "¡Esta es la mejor historia del mundo! ¡A todo el mundo le gustará!", piensas, y luego llegas a una editorial y te tiran un cubo de agua fría diciendo: "Queremos historias cortas, de uno o dos tomos".

Existen varios motivos para esta exigencia, algunos de ellos evidentes.

Vencer a la frustración

Mikanime pregunta: Sutori, estoy muy deprimida. Jamas estoy contenta con mis ideas para mangas, siempre pienso que TODO lo que hago esta mal, siento que mis dibujos estan horribles, y no me hacen efecto los posts de motivacion. Estoy desesperada ¿¡Que debo hacer?!

Responde ZumenMagazine: Hola, Mikanime, según he podido ver en tu perfil de subcultura tan solo tienes 12 años, es normal que sientas tal frustración al ver que no te sale todo lo quieres expresar. Veo que tienes unas ganas locas de crear algo exitoso y al ver el resultado te desanimas. Es del todo normal. Cuando una persona empieza en esto de los cómics comete muchas equivocaciones, pero no por ello quiere decir que no las puedes remediar con el tiempo (y esfuerzo también).

Yo sin embargo empecé a los 17 años, y al principio me frustraba mucho porque todo lo que hacía era horroroso. Dibujaba fatal y escribía historias malísimas y encima copiadas de otros mangas famosos. Tuve que practicar mucho, desde anatomía hasta composición de viñetas. Aun así me pasó seguramente como a ti, que me cansé de no encontrar lo que buscaba y al año y medio lo dejé. Estuve años sin dibujar nada. Hasta que volví a sentir ganas de verdad. Me asocié con el que ahora mismo es mi compañero de fatigas y empezamos un proyecto ilusionante para nosotros. Eso es lo que hace falta para sentirse bien: GANAS Y ESFUERZO.

Para que veas que no se nace sabiendo. Aquí tienes un dibujo de un cómic que hice cuando empecé a los 17:

Y éste es actual. Con 22 años:

Ambos, aunque no te lo creas, corresponden al mismo cómic. El mismo con el que empecé y el mismo con el que sigo. Tan solo tuve que esperar a que volvieran las ganas, volver a empezar e ilusionarme con el proyecto.

Con todo esto quiero decir que todavía eres muy joven para dibujar de la leche y crear súper historias. Así que no te desanimes y no tengas tanta prisa. Todo acaba llegando. Pero con ganas, esfuerzo y muchos años de dedicación.

Diferencia entre "Cómic" y "Manga"

FederiX Pregunta: Que diferencia tiene el comic con el manga? Si me lo pueden responder se lo agradecería.

Esta mítica pregunta me llevó todo un año responderla en mi trabajo de fin de carrera en bellas artes. Era un trabajo que duraba todo el año y con el que me jugaba un 15% de la nota total del curso, con lo que entenderéis que me la tomara un poco en serio.

En los diferentes países que han desarrollado una importante cultura de cómic se han designado un nombre, en sus idiomas autóctonos, para referirse a este.

Por error general, la mayoría de la gente suele referirse a cada uno de estos nombres como si cada uno determinara un "estilo gráfico" y "narrativa particular" de cada país donde se acuña el término (GRAN ERROR). Por ejemplo, es común escuchar gente decir que prefieren el manga (cómic en Japón) al cómic (refiriéndose a este como si fuera un estilo exclusivamente estadounidense).

En realidad esto no es así.

Edición de Manga en Photoshop

COUGAR Llevo varios años dibujando manga, pero ahora quisiera darle un toque más original, vi tu dibujo a mano y me encanto pero; ¿puedo hacer el dibujo y viñetas a mano y luego poner tramas en photoshop?, ¿como hacer detalles a mano que queden bien en el escaneo?, ¿como borrar errores después de escanear? 

 Cougar responde:
¡¡Hola que tal!!, vamos por partes.

¿Puedo hacer  el dibujo y viñetas a mano y luego poner tramas en photoshop?
R: Por supuesto, tal y como lo dice la pregunta es así como yo trabajo:
1.- Comienzo haciendo mi story board a lápiz
2.- Realizo las viñetas y el dibujo a mano y entinto
3.- Escaneo
4.- Edición con Photoshop

La edición puede llegar a ser un proceso bastante complejo dependiendo de tus necesidades y tus habilidades con los programas de edición, en lo personal yo realizo este proceso en 3 etapas generales:

• Limpieza: Se borran las manchas y errores del escaneo, se modifica el contraste y el brillo de la imagen escaneada.

• Dibujo digital: Se dibujan las lineas para las viñetas guiándote de las que se dibujan a mano, se ponen tramas, degradados y efectos.

• Texto: Se agregan los diálogos y algunas onomatopeyas.

¿Como hacer detalles a mano que queden bien en el escaneo?
R: Yo dibujo casi todos los detalles a mano, texturas como: rocas, arena, madera, etc., pero algunas veces es bueno apoyarse con algunas tramas que ayudan a conseguir texturas mas realistas. Para que los detalles queden bien en el escaneo debemos utilizar un estilografo o plumilla (lo que sea que utilicemos para entintar) con punta fina, y tratar de tener un trazado uniforme y limpio.



¿Como borrar errores después de escanear?
R: Podemos borrar nuestros errores en el proceso de edición, mientras hacemos la limpieza de nuestra imagen, podemos corregir alguna línea que no nos guste, simplemente usando el borrador de photoshop y corregir con los pinceles, solo ajustamos el grosor del pincel al tamaño del grosor del trazo que queremos corregir

Les dejo un tutorial de como realizo la edición de mi manga con photoshop.
TUTORIAL: EDICIÓN DE MANGA EN PHOTOSHOP



Espero que este tutorial les haya sido de ayuda, ¡¡saludos!!

Un mangaka nunca se rinde

Karu_rosu pregunta: "¿Cuál es la actitud que un mangaka debe tener con el manga, además de esforzarse? ¿Y con la gente que lo lee?"

Responde Jesulink. Tengo que admitir que entre algunas preguntas de dibujo y demás, ésta me ha llamado bastante la atención; el interés por presentar una cierta actitud ante un trabajo, en este caso, el de ser creador de manga.

No creo tener una respuesta reveladora en este sentido, pero durante los años de trabajo vas aprendiendo algunas cosas. Creo que en la pregunta que haces ya has incluido una de las palabras clave: esfuerzo.

El desarrollo del manga está fuertemente vinculado a la cultura del esfuerzo. Si os fijáis, en muchas ocasiones, el manga tiene una periodicidad brutal si lo comparamos con los cómics de otras culturas. Muchos manga se publican de forma semanal en capítulos de unas 20 páginas. Esto supone una producción total de unas 1.040 páginas anuales. Como es imposible que este ritmo tan extremo pueda ser llevado a cabo por un sólo artista, éstos recurren a formar equipos de dibujo de varias personas para poder tener listos los capítulos semanal o mensualmente. En algunos casos, esta disciplina se mantiene durante años y el resultado es una colección de manga enorme, una obra de decenas de tomos con miles de páginas acumuladas. Sin duda, es algo que requiere de gran esfuerzo físico y mental para ser llevado a cabo.

Ante esto, y sobre todo teniendo en cuenta otros modelos como el cómic europeo, alguien podría haberles dicho que quizá sería menos cansado producir mangas más cortos y eficaces, pero de alguna forma existen montones de mangakas que adoptan esta dinámica de la sobreproducción de la que estamos hablando. Asocian la creación al puro esfuerzo.

En el cómic europeo no es nada extraño ver a un autor publicando un cómic de menos de 100 páginas y promocionándolo durante un par de años, pero en muchos casos parece que esto no va con el manga.

En muchos de los Shonen que estamos acostumbrados a leer hay un mensaje común y bien claro: lucha por conseguir tus sueños, nunca te rindas.  A veces da la sensación de que los propios mangakas, conscientes del enorme trabajo que supone allí llevar a cabo un proyecto, quieren transmitir esa cultura del esfuerzo a sus lectores haciéndoles ver que ellos no se sienten atrapados en su trabajo, sino que de alguna forma, se sientes orgullosos por el esfuerzo que están haciendo si pueden conseguir materializar su propia obra.

La verdad es que la sensación de crear una obra y ver cómo los lectores la siguen, la conocen, se encariñan con los personajes y todo eso es una sensación increíble, por la que valen la pena muchos esfuerzos, aunque hay que tener cuidado, porque la obsesión por mejorarse a uno mismo se puede convertir a veces en algo casi enfermizo (lo sé por experiencia).

Por todo esto, en mi opinión personal, diría que la actitud que debería tener un mangaka es la de ser feliz con su trabajo, y disfrutarlo junto a sus lectores, esforzándose dentro de esa satisfacción que otorga crear un manga.

Me gustaría seguir desarrollando el tema del esfuerzo; continuaré en otra entrada próximamente.

Entintar en Photoshop correctamente

Seichu pregunta: Hola amigos de sutori muy buena pagina. Tengo un problema algo chico con el entintado ,cuando dibujo con lapiz soy excelente pero a la hora de entintar ,al trazar las lineas las lineas quedan como chorreadas con rayitas por asi decirlo mi trazo no es malo ya que con rotuladores queda bien espero su respuesta... ¡Gracias! 

JohanDark responde: Creo haber entendido tu pregunta.  A continuación tienes la respuesta en video:

Nariz estilo shonen

Aureliox pregunta: Necesito ayuda con las narices de shonen, me gustaría saber la nariz tipica de un niño shonen, niña shonen, joven shonen, chica joven shonen, adulto shonen, adulta shonen, abuelo shonen, abuela shonen.

Cougar responde: La nariz es una parte esencial para obtener un buen dibujo, pero la mayoría de los autores de manga shonen simplifican su anatomía, no le dan tanta importancia como si se le da a los ojos.

El problema de dibujar una nariz estética es resuelto por muchos mangakas shonen con lineas sutiles minimizando el detalle...

Para comenzar a dibujar primero debemos conocer la anatomía humana, realizamos nuestro esqueleto geométrico con figuras básicas para obtener la figura de una cabeza humana. Nos podemos guiar de las líneas para ubicar el espacio donde dibujaremos ojos, nariz, boca, etc.

Frontal:
Hay varias formas para dibujar una nariz de el estilo shonen en perspectiva frontal, estas son algunas de las mas usadas:

• Fosas nasales: Dibujamos dos curvas al centro del rostro, este estilo es muy utilizado por Masashi Kishimoto (Naruto), es muy sencillo de realizar.
• Sombra lateral: Dibujamos un triángulo lateral y marcamos la fosa nasal del lado contrario, esto da el efecto del relieve en la nariz, algunos autores como Eichiro Oda (One Piece) y Akira Toriyama (Dragonball) usan esta técnica.
• Sombra inferior: Dibujamos un triángulo invertido, simulando la sombra y la forma de las fosas nasales.
• Línea: con una pequeña línea vertical marcamos la nariz, esto se puede utilizar para hacer narices para niños pequeños, muchos autores utilizan este tipo de tecnica y se ahorran mucho tiempo en su diseño.
• Nariz de niño "C": Para dibujar una nariz de un niño podemos dibujar una letra "C" para crear una nariz pequeña y regordeta.
• Nariz de anciano: Para los adultos y ancianos en el shonen se suelen dibujar y resaltar las lineas de expresión y también se detalla mas la forma de la nariz.

Perfil:

Para dibujar una nariz de perfil es necesario primero pensar en las dimensiones que tendrá la nariz.

• Para dibujar la nariz de una chica podemos hacerla un poco mas respingada para dar el efecto de feminidad.
• Para la nariz de un niño utilizamos la misma técnica frontal, hacemos una "C" y alargamos en la parte superior para conectarla con la frente.
• Para una persona anciana prolongamos mas la nariz y dibujamos los detalles como fosas nasales y lineas de expresión.

Perspectiva 3/4:

Como en la perspectiva de perfil primero ubicamos el espacio que ocupará la nariz.

• Hacemos un ligero cambio en la dirección de la nariz con respecto a la perspectiva de perfil y conseguimos nuestra nariz con perspectiva 3/4.

Dibujar nariz estilo shonen es muy sencillo y no se requiere de mucho tiempo para realizarlo, hay que tomar en cuenta que cada autor tiene un estilo diferente y no siempre obtendremos el mismo resultado ya que depende de quien lo dibuje.
Bueno espero que este pequeño tutorial haya sido de su agrado, ¡saludos!

Uso del fondo

Kotaro Yûki pregunta: Soy un desastre con los fondos y a veces en las escenas de pelea no se que poner, ¿necesario poner siempre fondos?

Responde Kyoffie: Mi respuesta es ¡NO! No es necesario poner fondos en todas las viñetas,  se puede hacer, pero sería una gran pérdida de tiempo. El colocar fondos  se suele usar para  llevar al  personaje a un espacio establecido y que el lector pueda entender que  hay un mundo alrededor de Él.

Esta es una página de presentación de Mirada Atrás capítulo 05, aquí presento un entorno donde el personaje se moverá y que el lector sepa que están en una ciudad en el desierto. El colocar fondos  se suele usar para  llevar al  personaje a un espacio establecido y que el lector pueda entender que  hay un mundo alrededor de Él.  Ya después de esto no es necesario dibujar fondos en todas las viñetas, puedes darte la licencia de dejar viñetas sin fondos si es que te parece que no es necesario dibujarlos. 

Alex Saliendo del Yorshi, en la viñeta 01 es necesario dibujar el fondo o sería muy difícil hacer entender al lector que Alex está en la puerta gritando hacia el exterior, pero en las viñetas 02, 03 y 04 ya no fue necesario dibujarlo, porque ya entendemos donde está situado.

En las escenas de combate se aplica la misma lógica,  sólo que lleva algunos agregados, que son las líneas dinámicas. El fondo muchas veces pasa a ser simples líneas dinámicas, el movimiento es quien provoca que aparezcan estas líneas en reemplazo de un fondo, ¿pero a qué se debe esto? En un combate no se le suele dar importancia al fondo (a menos que el personaje interactué de forma directa con él), sino que la cámara se mueve con el objetivo móvil,  este objetivo que es el personaje que permanecerá enfocado, mientras que el segundo plano (el fondo) quedará borroso. 

Por el momento llevo pocas viñetas con combates dibujadas, pero esta es una que ejemplifica lo que digo, donde se puede ver a Isaac golpeando a Boris el abuelito de Alex, el fondo  se ha perdido ya que nos centramos en el moviendo y en mostrar que está ocurriendo con los personajes.

En un combate hay que dar al lector la sensación de que ocurre mucho movimiento en la acción, esto se puede lograr con viñetas en diagonales (las diagonales hablan de movimiento) y como les mencioné con líneas de dinámicas (son las que suelo usar).

Aquí les dejo otra entrada que tiene relación con los combates en el manga. Escenas De Pelea.

Cómo dibujar dientes

Sekor pregunta: Quería saber como dibujar dientes, es que no me sale.

Iván responde: ¡Hola a todos los lectores de sutori! Hoy responderé una pregunta bastante interesante que encontré en los mensajes que ustedes envían, la pregunta es ¿Cómo dibujar dientes?

Esta pregunta la encontré muy  interesante ya que en general en el manga no se utiliza mucho los detalles en la dentadura e incluso muchas veces se prescinde de ellos, sin embargo siempre es necesario tener en mente que para un dibujo expresivo los dientes son esenciales.

Como en otras entradas empezaremos clasificando algunos dientes que ustedes podrían necesitar. O mejor dicho dentaduras que podrían querer dibujar

1) Dientes tiernos tipo conejo: es totalmente absurdo el nombre, pero la verdad es que no se me ocurre uno mejor para la clasificación de estos dientes que harán que tu personaje se vea en extremo tierno. Este tipo de dientes lo podemos localizar en mangas como K-on! Y les servirá cuando deseen hacer un personaje con rasgos de ardilla lo cual está muy de moda entre algunos fans del anime.

2) Dientes de galán: ¿conocen a Ken el novio de Barbie? Estos dientes son lo más parecido a los dientes del galán de plástico. Suelen ser un triángulo alargado con una pequeña línea cerca de las muelas. Son dientes fáciles de hacer y sirven mucho para los personajes con algún grado de galantería.

3) Dientes a lo tiburón: Bueno estos dientes como su nombre lo indica son todos en punta y vienen muy bien con personajes de apariencia ruda y amenazante. Lógicamente los puedes usar con personajes derivados de los tiburones pero no necesariamente se restringen a ellos dándonos un campo bastante amplio de uso (lobos, demonios, monstruos, directores de escuela, etc.)

4) Dientes rudos: Estos dientes son más estéticos que los anteriores y mas que dibujar de una manera en particular los dientes, lo  importante de este tipo de dentadura es la aparición de la encía de cerca de las muelas. Ese es el mensaje universal de estar muy pero muy cabreado. Les recomiendo al usar este tipo de dientes el poner especial atención en los detalles en las muelas los cuales le pueden dar una expresión aún más bestial a su personaje.

5) Dentadura completa: estos tipos de dentadura son para los que le gusta dar más realismo. Existen muchos dibujos de manga en que sencillamente basta con poner los dientes de frente,  restándole importancia a las muelas de atrás. Esto también es valido, pero sin embargo si a ti te gusta el que tu personaje cada vez que habrá la boca tenga todas sus piezas dentales como recién salido del ortodoncista, te recomiendo siempre dibujar a los lados de la lengua una hilera de dientes. Incluso basta con que a estas hileras les dibujes un par de líneas para que des la apariencia de que tu personaje tiene unas bonitas muelas.

Bueno la verdad es que existen muchas formas de dibujar dentaduras que significan “algo” en la personalidad o estado anímico del personaje. Como ya les indique, muchas veces se prescinde del dibujo de las dientes en el manga, pero estos te pueden ayudar mucho con la expresión que adoptará tu personaje en la historia.

Cuando quieras dibujar dientes por supuesto que dependerá mucho de tu estilo de dibujo como los vas a querer hacer. Puedes dibujar diente por diente si se trata de un estilo más bien realista o simplemente un rectángulo debajo de los labios, esto dependerá de tus necesidades para el personaje. Tampoco es cien por ciento necesario que seas cuidadoso con cada diente que tendrá tu personaje y que este sea fidedigno al cien por ciento con un atlas de la dentadura humana. Es decir con ojos tres veces más grandes que lo normal en el dibujo de anime, nadie se preocupará de que a tu personaje le falte un canino (por supuesto mientras no sea un vampiro) lo más importante es que se vea bien. Bueno y esto es todo, espero les sirva de algo y recuerden cepillar sus dientes tres veces al día. Adiós.

Cómo crear un manga en equipo - Escritores y dibujantes

Laura Aviñó pregunta: "Saludos, Sutori. ¿Se puede hacer un manga entre cuatro personas? Si es así, ¿cómo nos podríamos repartir el trabajo? Gracias

Responde Jesulink. Hola, Laura. Aprovecharé esta pregunta, que es buenísima, para aclarar un tema que lleva mareando a editores españoles en estos últimos años. En el manga Bakuman, que trata sobre unos chicos que se hacen creadores de manga, vemos mucho la situación del trabajo en equipo para realizar manga. Esta obra muestra esa situación porque en la realidad profesional, tanto del manga como del cómic, existe una gran multitud de obras que se hacen en equipo. One Piece o Naruto son pruebas muy cercanas de manga que son elaborados por un grupo de personas, dado que es imposible que una persona sola pueda escribir y dibujar un capítulo de 19 páginas semanal a ese nivel durante más de 10 años sin parar casi nunca.

Usando la lógica matemática puedes pensar que trabajar en equipo lo hará todo más fácil (si una persona puede hacer tantas páginas, cuatro personas podrán producir cuatro veces más en el mismo tiempo, ¿no?), pero no tiene por qué ser exactamente así. El trabajo en equipo eficiente es una metodología digna de profesionales, y para que la cosa funcione, tiene que haber unas pautas bien marcadas, una jerarquía de quién toma las decisiones principales y sobre todo, un plan perfecto de quién tiene que hacer qué. Los grupos grandes que pretenden trabajar de cualquier forma, por lo general, no suelen funcionar bien. Trabajar en equipo es muy difícil y considero que todos deberíamos practicarlo correctamente desde pequeños (pero a trabajar bien, no a que en un equipo de cuatro uno lo haga todo y tres le miren).

Te podría dar algunos consejos:

1. Definir quién va a organizar el proyecto. Lo primero es definir al líder del proyecto. Durante la elaboración del proyecto surgirán conflictos. Es IMPOSIBLE que cuatro personas estén de acuerdo en TODO. Unas veces algunos cederán amablemente a las ideas de otros y otras lucharán por defender la suya, pero habrá veces en las que el conflicto no se pueda resolver (sobre todo si trabajas con gente orgullosa, cualidad nada deseable para trabajar en equipo). El líder debe tener la última palabra, bajo su responsabilidad. En algún momento alguien tiene que tomar las decisiones y parar las discusiones. En todos los proyectos hay un editor jefe, un director, etc., que tiene el peso de la última decisión y si no fuera así, el proyecto no avanzaría.

Si no hay nadie en el grupo que tenga por qué ser el líder, podéis hacer un reparto de liderazgo. Es decir, en un equipo de cuatro personas, yo soy el líder de nuestro primer manga, tú eres el líder de nuestro segundo manga, y así nos vamos turnando y respetando los proyectos tanto si somos líderes en ellos o no.

Si queréis hacer algo como "no, aquí no hay nadie que dirija, aquí todo el mundo hará el mismo trabajo por voluntad propia", entonces te deseo mucha suerte (xD).

2. Asignar tareas a dibujantes y/o escritores. Si queréis hacer un trabajo en equipo eficiente lo más adecuado es asignar las tareas y que cada uno se ciña a la suya. No voy a dar consejos sobre cómo escribir en equipo, porque es un tema complicado y lleno de conflictos, pero en el caso del dibujo la cosa es más sencilla.

En muchos manga, el autor simplemente dibuja y entinta a los personajes (o simplemente a los que se ven de cerca). Después hay otros dibujantes que le ayudan a realizar las otras tareas: dibujantes que hacen los escenarios, dibujantes que hacen los globos de texto y escriben el texto, dibujantes que hacen las onomatopeyas, dibujantes que hacen los efectos y líneas cinéticas, dibujantes que aplican las tramas, etc.

Hay que tener mucho nivel para que dos personas distintas dibujen a distintos personajes de un mismo cómic y aún así haya armonía en el dibujo. En un equipo de 4 artistas uno podría hacer a los personajes, otros dos los escenarios y el último los efectos, líneas y onomatopeyas, por decir un ejemplo de reparto de trabajo.


3. Asumir responsabilidades. El grupo sólo puede funcionar si cada uno asume sus responsabilidades como tales. A veces un proyecto cojea sólo de una pata y hay que saber detectar quién no está realizando su trabajo correctamente para poder dejarlo claro y que esta persona cambie y se ponga a trabajar como los demás. De todos modos, en mucho proyectos siempre hay unos que trabajan más que otros e irremediablemente los primeros se llevarán más mérito que los segundos, así que tampoco es tan preocupante en ese sentido.


4. Si se reparte el trabajo se reparten los beneficios. Es evidente. Si quieres hacer un manga en un equipo de cuatro personas es porque de alguna forma sólo quieres hacer el 25% de trabajo que conlleva un proyecto, por tanto, sólo recibirás una porción de los beneficios que éste os pueda aportar. No es lo mismo ser el autor completo de una serie que hacerla junto a otras tres personas.

El beneficio de un autor completo de cómics suele estar en torno al 8% del precio al que se venda dicho libro. Si el libro está hecho por cuatro personas en lugar de por una sola... técnicamente cada autor percibirá un 2% sobre el PVP suponiendo que consideraran que han hecho el mismo trabajo.

Hablando con números. Si publicas como autor único un libro de 8 euros, la editorial te pagará unos 0,64 euros por libro vendido. Si vendes 1.000 libros, la editorial te entregará 640 euros por esa tirada.

Sin embargo, si el trabajo está hecho por cuatro personas, para un libro de 8 euros, el pago al autor seguirá siendo de 0,64 euros, pero repartido entre cuatro, es decir, 0,16 euros por participante y libro. Es decir, si se venden 1.000 libros, la editorial entregará un pago total de 640 euros por esa tirada, pero serán 160 euros para cada uno.

Recordad que cada editorial funciona con distintos márgenes de pago según el proyecto y el autor, así que éstos no son más que ejemplos.

¿Es necesario tener una obra completamente terminada para presentarla a una editorial?

Vane angulo pregunta: "¿Es necesario tener una obra completamente terminada para presentarla a una editorial?"

Responde Contreras: No. La mayoría de las editoriales y concursos te piden de ocho páginas a tres capítulos de cómic terminados, además de un resumen de una a tres páginas de la obra. En este resumen se debe contar la historia que tienes planeada para la obra, incluída el desenlace de esta.

También pueden pedir fichas de los personajes, con un pin-up y datos como nombre, edad y una pequeña biografía.

Ahora si te refieres a tener tú el storyboard completo del cómic terminado, quizás puede ser una buena idea para tener bien calculado si puedes contar la historia en el número de páginas, pero es un trabajo bastante grande.

¿Existe una edad mínima para ser dibujante de cómics profesional?

Vane angulo pregunta: "Soy nueva en esto de el manga (aunque llevo dibujando 4 años). Tengo 15 años y me pregunto, ¿se necesita una edad para publicar un manga o simplemente es cuando tengas tiempo e ideas?"

Responde Jesulink: He escogido esta pregunta porque me ha llamado mucho la atención y la verdad es que es una de las preguntas que más me repiten los adolescentes cuando hablan conmigo en persona en los eventos de manga. Casi todos me preguntan: "¿Existe una edad mínima para ser dibujante de cómics profesional?".

La respuesta rápida es: "No, siempre que se tenga la edad mínima para trabajar", que en España son los 16 años. La respuesta larga es más complicada.

Puedo entender que muchos jóvenes tengan mucha impaciencia por publicar un trabajo (yo también pasé por eso), pero la verdad es que el camino del verdadero profesional es largo y está lleno de obstáculos. Llevo unos años metido en este mundillo y he visto a muchos jóvenes de 16 años (incluso menos) dibujar personajes manga a un nivel envidiable. La edad no define en absoluto a un artista, pero sí la suma del talento y la experiencia, y ambos sólo pueden mejorar notablemente practicando una actividad por mucho tiempo.

Un artista profesional busca completarse: ser un buen dibujante, ser un buen escritor, tener resistencia para dibujar muchas horas al día durante muchos años, poder conquistar a muchos lectores con su trabajo, saber desenvolverse en el mundillo, poder tratar firmemente con editores y otros profesionales del mercado, poder expresarse con soltura y seguridad en una conferencia y poder desplazarse varias veces al año a distintas ciudades para defender su trabajo, etc.

Existen excepciones, pero éstas no son cualidades que suelan presentarse normalmente en una persona demasiado joven.

Algunos editores de cómic españoles han compartido experiencias conmigo y me han contado algunas anécdotas de problemas que han tenido con gente "demasiado joven". Puedo resumir varias de ellas en que el joven artista envía un proyecto con mucha fuerza, con un buen dibujo y bien presentado; pero que después, pasado un tiempo, era incapaz de atenerse a los plazos de entrega, o de mantener la calidad del dibujo acoplándose al tiempo establecido. No es que esto sólo pueda pasar con gente menor de edad, pero bueno, éstos eran casos reales al fin y al cabo.

La edad mínima para ser dibujante de cómics profesional es cuando uno se sienta preparado para abordar este duro trabajo con profesionalidad y madurez.

Yo empezaría haciendo un cómic corto (de unas 50 páginas) e ir publicándolo por Internet para ver la opinión de la gente y para mejorar y observar tu ritmo de trabajo.

De todos modos, las editoriales están abiertas para recibir trabajos de cualquier artista en cualquier momento y decidir si se pueden publicar o no.

La mejor forma de mejorar el dibujo

Ighigo pregunta:Me preguntaba, a su opinion cual seria la mejor forma de mejorar mis dibujos ... ¿Creando pequeños capítulos de manga? o ¿haciendo dibujos sin relación alguna pero tratando de aprender a dibujar lo que se me dificulta?

Cata responde: Si bien, si practicas mucho dibujar lo que se te dificulta iras mejorando, pero no seria solo dibujarlo una o dos veces, si no que un montón de veces.

Normalmente tendemos a evitar dibujar lo que no nos llama mucho la atención o nos cuesta, pero si dibujas un manga deberás aplicar muchos elementos a la vez tanto como los que se te hacen difíciles como los fáciles.

Imaginemos que los movimientos de los personajes te quedan muy rígidos y eso es lo que quieres mejorar, durante la historia tu personaje tendrá que irse moviendo según los acontecimientos de esta y ya dibujando varias paginas iras mejorando y se te ira haciendo mas fácil, o imaginemos que lo que se da mal son los fondos en el manga tendra que situar a tu personaje dentro de un espacio para que el lector entienda donde se sitúa la acción.

Por ejemplo te encanta dibujar personas, pero te cuesta dibujar animales, puedes crear un manga que se situé en una jungla y que los personajes se encuentren con muchas clases de animales. Así estarás dibujando lo que te cuesta, pero ademas lo que te gusta y así no se te hará tan difícil.

No importa si al principio no te resulta luego de unas paginas de a poco se te ira haciendo mas fácil.

Ademas si haces un cómic puedes publicarlo en una pagina de webcomics como Subcultura, allí las personas que lean tu manga te podrán dar criticas constructivas acerca de que te falta mejorar. A veces se da el caso en que uno no se da cuenta del error hasta que te lo señalan, por ejemplo yo al principio dibujaba unos cuellos larguísimos pero no me daba cuenta de ello hasta que en Subcultura me lo señalaron, así que ahora estoy intentando hacerlos mas normales.

En resumen dibujar un comic te hará trabajar varios aspectos al mismo tiempo y te ayudara a saber juntar estos, por ejemplo ubicar un personaje dentro de un fondo, manejando un auto o luchando.

Por estas razones creo que practicar dibujando un manga creo que seria lo mejor, con esto no digo que dibujando dibujos sueltos de lo que te cuesta no mejorarías, por que siempre la practica te hará mejorar.

¿Sentido occidental u oriental?

Mizuko Kuran pregunta: ¿Qué es mejor al hacer un manga en cuanto a su lectura? ¿De derecha a izquierda o viceversa? ¿Tiene alguna influencia en el desarrollo de la creación de éste? (No sé si me explico bien)

Enmascarada responde: ¡Hola a todos! Vamos  a tratar de responder esta pregunta de la mejor forma posible.

El manga proviene de Japón, y como sabéis, allí se lee de derecha a izquierda. Ellos escriben en ese sentido porque es parte de su patrimonio cultural hacerlo así, no porque quieran o porque les resulte más bonito. Pensadlo: no habrá ningún (o casi ningún) autor japonés que dibuje mangas en Japón y lo haga en sentido occidental.

Entonces… ¿qué deberíamos hacer nosotros?

Se podría decir que nos hallamos entre dos fuertes influencias: por un lado, la idea que tenemos de “manga” (con su correspondiente sentido oriental) y por otro, nuestra propia cultura, sin olvidar tampoco nuestras preferencias personales y nuestras respectivas opiniones.

Sobretodo, tenemos que tener en cuenta que un manga no es menos manga por el sentido en el que se lea. Son otros factores los que lo definen (el tipo de narrativa, el estilo…) Sin embargo, tampoco deberíamos sentir recelos hacia una obra que esté en el sentido contrario. Dibujemos en el sentido en el que dibujemos, se tratará de un cómic, manga, novela gráfica… podéis llamarlo como queráis, pero todo se reduce a comunicar, a contar una historia.

De este tema pueden surgir varios debates, ya que es bastante relativo a cada persona.

En principio, para cualquiera de nosotros, lo natural es leer de izquierda a derecha: es lo que hemos aprendido desde pequeños. Si le das a una persona mayor un cómic, lo primero que hará será tratar de leer en ese mismo sentido. Y es muy probable, que en caso de que tenga que leerlo en sentido contrario, encuentre dificultades en ello y le resulta más confuso.

Sin embargo, muchos jóvenes han estado leyendo manga desde niños, y no encuentran ningún problema a la hora de leer en cualquiera de los dos sentidos. ¿Qué quiere decir esto? Debes pensar de qué tipo es tu obra y a que tipo de personas está dirigida.

Además, por otra parte están nuestras preferencias: tal vez si has estado leyendo manga toda tu vida el hecho de escribir en sentido oriental sea más bien una especie de homenaje a ello, o una muestra de tu aprecio a la cultura nipona. O tal vez suceda totalmente al contrario: si te sientes muy unido a tu propia cultura, probablemente no escojas el sentido oriental.

Tampoco debemos obsesionarnos con esta cuestión, ya que hay otros factores más importantes que definen a una obra.

En resumen, cada uno estamos acostumbrados a unas cosas diferentes, ya sea por nuestra cultura, por el tipo de lecturas o por nuestras propias características. Así pues, se puede decir que esta es una decisión más bien personal, en la que no hay una respuesta correcta y otra incorrecta: todo es válido si te gusta lo que haces y haces que tus lectores se sientan cómodos con ello.

¿Cómo afecta esto al proceso de creación?

Esta parte de la pregunta la voy a explicar suponiendo que elijamos el sentido oriental, pues hay más puntos a tener en consideración.

• El orden de paneles y globos de texto. Ten en cuenta que estarán al contrario de cómo estamos acostumbrados. Esto lo tienes que tener muy claro cuando hagas el storyboard. De todas maneras (y esto más como un consejo personal) trata de evitar bocadillos de este tipo, ya que al ser un sólo bocadillo que está dividido en dos áreas, son los que más pueden confundir al lector.

• Movimientos de los personajes. Esto deberíamos tenerlo en cuenta en cualquier sentido, tanto oriental como occidental, ya que es algo importante de la narrativa visual. Cuando leemos de derecha a izquierda, nuestros ojos se desplazan hacia la izquierda. Entonces, para no contradecir ese movimiento, las acciones de los personajes deben tener también esa dirección. Por ejemplo, si un personaje está andando en un manga de sentido oriental, lo más seguro es que se dirija hacia la izquierda. Estos son dos ejemplos, uno de mi manga Nagare (sentido oriental) y el segundo de mi oneshot Yuki Onna (sentido occidental)

• No olvides recordar en qué sentido se lee tu cómic cuando lo muestres en Internet. En Internet hay obras en cualquier sentido, por eso el lector se puede sentir un poco perdido al comenzar a leer tu obra si no le indicas cómo debe hacerlo.

• En cambio, si tu obra va a ser impresa, tendrás que tenerlo en cuenta a la hora de maquetar: donde suele estar la tapa tendremos la contratapa, y el resto de páginas se encontrarán también a la inversa.

¡Esto es todo! ¡Espero que os sirva de algo o que hayáis aprendido algo nuevo!

¡Un abrazo!

Cómo dibujar músculos sin consumir esteroides

Sebastián pregunta: Hola bueno quería saber como se dibujan los músculos ósea para hacer a alguien musculoso pero no la gran cosa es decir semi musculoso y no tipo fisicoculturista gracias!!!

Iván responde: Hola estimado Sebastián. Bueno me gustó mucho tu pregunta ya que los músculos son muchas veces esenciales en los mangas de pelea, shonnen e incluso dirigido a un publico femenino cuando quieras hacer algún personaje sexy y fibroso. 

Bueno primero que todo ¿que significa la palabra musculo? Musculo proviene del latín y se puede dividir en “mus” que significa “ratón” y “culus” que significa contracción. Esto era ya que los romanos pensaban que la contracción de los músculos se asemejaba a un ratón moviéndose dentro del cuerpo. Me imagino que esa fue la explicación que algún romano de pocas luces le dio a un niño cuando le pregunto que era lo que se movía en su brazo al apretarlo. Pero no juzguemos a los romanos ya que en nuestros tiempos todavía algunos padres recurren a la cigüeña para justificar a los bebes y tampoco es nuestro tema aquí. Nuestro tema es como poder dibujarlos.

Cuando queremos dibujar músculos primero que todo debemos pensar que como parte del cuerpo humano deben estar en armonía con el resto del cuerpo y también existen músculos que para una buena armonía muchas veces a simple vista miden lo mismo como por ejemplo los deltoides y pectorales.

Existen muchísimas formas para dibujar músculos pero si quieres realizar algo más profesional te recomiendo que siempre trates de acompañarte con alguna enciclopedia del cuerpo humano cuando requieras hacer algún dibujo mas elaborado.

Sin embargo al hablar de manga no necesariamente tenemos que exigirnos músculos perfectos y anatómicos como en el comic americano realista por ejemplo, ya que sencillamente el dibujo manga en ocasiones basta con que luzca bien y  estaremos bien encaminado, basta con pensar que con ojos cinco veces mas grandes que lo normal no necesariamente nos vamos a exigir la perfección anatómica. Eso dependerá de los requisitos de cada dibujante.

Para hacer un cuerpo musculoso pero sin llegar a transformar al personaje en un adicto al gimnasio y los esteroides tienes muchos caminos el primero puede ser el siguiente:

1)  Cuerpo normal y medianamente tonificado: Este cuerpo es el que tienen muchos personajes de Naruto, que consiste en un cuerpo bastante común sin músculos marcados ni venas palpitantes. Se caracteriza por músculos unidos con buena porción de grasa corporal lo que genera un personaje esbelto, ni gordo ni flaco. Es bastante bueno ya que no dificulta mucho su dibujo ya que no tiene tantos detalles.

2) El “marcadito”: Este cuerpo es propio de aquel deportista aeróbico que pese a tener un cuerpo muchas veces pequeño, no tan musculoso ni impresionante, tiene algunos músculos como los bíceps y el abdomen bastante desarrollados.

 Es importantísimo el dibujo del abdomen ya que muchas veces será una buena herramienta para mostrar el desarrollo muscular del personaje. Mientras mas abdominales tenga (clásico six pack) mas demostrará un desarrollo muscular elevado. El problema con esto es que muchas veces complica el dibujo haciéndolo mas dificultoso.

3)  El preferido de las féminas: Este es el clásico sujeto de mangas  shojo que es “bonito” por que es flaco.  Es una excelente forma para que el personaje le guste a las fans femeninas ya que pese a ser fuerte (dios sepa como) demuestra desinterés con su cuerpo y es mas guapo que musculoso. Suele tener hombros más grandes pocos detalles en la musculatura pero un cuerpo largo y con una cintura delgada. En mangas como “katekyo hitman reborn” se ve mucho este tipo de cuerpo.

4)  Marcado extremo: este sujeto es aquel que pese a  tener músculos no se ve mas corpulento si no que solamente se notan mas los músculos.  Tiene como un tres por ciento de grasa en el cuerpo y te sirve para mostrar un héroe fuerte sin convertirlo en una masa amorfa como trunks en fase super sayayin inflado. Da la sensación de un cuerpo fuerte pero a la vez ágil.

Bueno como podrán ver existen muchísimas formas de dibujar los músculos dependiendo de las necesidades que tengas y dependiendo de lo que quieras demostrar. Te aconsejo que revises mangas como “tenjou tenge”,”Hokuto no ken” y sobre todo a dibujantes de comic occidental como Ivan Reis para que puedas ver como los profesionales no solo dibujan buenos musculos si no que también juegan con las luces y sombras de los mismos.