Cómo presentar un manga a una editorial - Según Babylon Ediciones



Babylon Ediciones es una editorial española relativamente joven, pero eso no ha impedido que a estas alturas ya haya hecho algunas apuestas por ilustradores y mangakas españoles. Por el momento, la editorial sigue creciendo, y parece que todavía están muy receptivos a la hora de recibir propuestas de autores que quieran intentar dar el salto (imagino que aquí hay muchos interesados).

Tanto es esto que hoy mismo los editores han escrito una entrada en su Blog para sintetizar algunas características que deberían tener los proyectos enviados, y así ayudaros a los interesados a acercaros más a que os den el sí. Os recomiendan cosas como:

Una presentación clara y concisa. Ni con poca información ni con mucha, que contenga sinopsis, unas 6 páginas del manga (o más), descripción de personajes y currículum del autor como mínimo. Algo importante que dicen es que el editor tiene que conocer toda la historia de principio a fin, que los editores no son lectores que se tienen que quedar con la intriga: son los posibles futuros productores de la obra y por tanto tienen que conocerla al máximo para saber si deben apostar por ella.

Un trabajo original. Además, remarcan que el estilo no sea imitación o copia de otros, y que el autor tenga un estilo personal que lo defina, y valoran ante todo la posibilidad de que la historia sea muy corta o autoconclusiva.

Si estáis interesados y queréis leer con más detalle estas pautas y contactar con la editorial, visitad el siguiente enlace: Blog de Babylon Ediciones.

Arkham Roots - Capítulo 03


Un tipo que parece tener algún poder especial, ayuda a resolver casos a una organización secreta.
Misterios, fantasmas, no-muertos, horror, religión, sangre, erotismo, y por supuesto... Humor!

Inspirado en las obras de H.P. Lovecraft.

(sí ya sé que Arkham os recuerda a Arkham Asylum de Batman de Bob Kane... Pero este autor se inspiró de la famosa ciudad de Lovecraft para ponerle nombre a su manicomio ;)

Haz click aquí para ver el Vídeo Promocional de Arkham Roots

Este capítulo 3 de Arkham Roots cierra el primer caso de los dos agentes. En el próximo capítulo una nueva historia empieza completamente de nuevo. (Entonces hasta el capítulo 13... sí la segunda historia es un poco más larga).

Yo ahora mismo estoy dibujando ya el capítulo 14. 

Espero que os guste este 3er capítulo ;)

Vencer a la frustración


Mikanime pregunta: Sutori, estoy muy deprimida. Jamas estoy contenta con mis ideas para mangas, siempre pienso que TODO lo que hago esta mal, siento que mis dibujos estan horribles, y no me hacen efecto los posts de motivacion. Estoy desesperada ¿¡Que debo hacer?!

Responde ZumenMagazine: Hola, Mikanime, según he podido ver en tu perfil de subcultura tan solo tienes 12 años, es normal que sientas tal frustración al ver que no te sale todo lo quieres expresar. Veo que tienes unas ganas locas de crear algo exitoso y al ver el resultado te desanimas. Es del todo normal. Cuando una persona empieza en esto de los cómics comete muchas equivocaciones, pero no por ello quiere decir que no las puedes remediar con el tiempo (y esfuerzo también).

Yo sin embargo empecé a los 17 años, y al principio me frustraba mucho porque todo lo que hacía era horroroso. Dibujaba fatal y escribía historias malísimas y encima copiadas de otros mangas famosos. Tuve que practicar mucho, desde anatomía hasta composición de viñetas. Aun así me pasó seguramente como a ti, que me cansé de no encontrar lo que buscaba y al año y medio lo dejé. Estuve años sin dibujar nada. Hasta que volví a sentir ganas de verdad. Me asocié con el que ahora mismo es mi compañero de fatigas y empezamos un proyecto ilusionante para nosotros. Eso es lo que hace falta para sentirse bien: GANAS Y ESFUERZO.



Para que veas que no se nace sabiendo. Aquí tienes un dibujo de un cómic que hice cuando empecé a los 17:

Y éste es actual. Con 22 años:


Ambos, aunque no te lo creas, corresponden al mismo cómic. El mismo con el que empecé y el mismo con el que sigo. Tan solo tuve que esperar a que volvieran las ganas, volver a empezar e ilusionarme con el proyecto.

Con todo esto quiero decir que todavía eres muy joven para dibujar de la leche y crear súper historias. Así que no te desanimes y no tengas tanta prisa. Todo acaba llegando. Pero con ganas, esfuerzo y muchos años de dedicación.


Carnaval - Capítulo 15


Luego de un tiempo, salió el nuevo capítulo de Carnaval. Un extenso capítulo titulado "Verdad".

Este es uno de los mangas enlazados en Sutori. Carnaval cuenta la historia de Hannah, una chica que puede ver espíritus y el aura de los demás. Pero cuando cierta feria ambulante que responde al nombre de Carnaval llega a su pueblo, su hermano es secuestrado y desaparece junto con el Carnaval.

En este capítulo Rowen recibe la visita de Dorian y compañía. Pero a diferencia de otras veces, se comporta extraño e intenta evitarlo, ya que le había ocultado muchas cosas. La confianza de una amistad de tantos años es la fortaleza que decidirá el destino de nuestros amigos.

Disfruten la lectura:

DESCARGAR CARNAVAL CAPÍTULO 15 (MEDIAFIRE)
DESCARGAR CARNAVAL CAPÍTULO 15 (4SHARED)
LEER ONLINE CARNAVAL CAPÍTULO 15 (SUBCULTURA)

Además, hay un capítulo extra dibujado por Megu-Chan, en el que conoceremos un poco más el pasado de los protagonistas.


La fama y los webcómics


¡Hola a todos!

Hoy toca una entrada larga y de tipo más bien reflexivo, así que si queréis leerla hasta el final, id a buscar una taza de café. (Era broma. Id a por dos). ¡Comencemos!

La fama es lo mismo que ser conocidos, nosotros y/o nuestro trabajo.
Buena fama, mala fama… algunas campañas publicitarias nacen de la idea de que da igual que se hable bien o mal, que la cuestión es que se hable. En todo caso, tener buena o mala fama depende sobre todo de nosotros y nuestro trabajo, pero de lo que yo quiero hablar no es de la fama como reputación, sino  de la fama como popularidad, la cual ya no depende tanto de nosotros como de otros factores.

Para empezar, ante esa fama hay diversas actitudes personales que se pueden condensar en tres:

  • Están aquellos que ven la fama como un fin, y tratarán de que todo el mundo les conozca, sin importar cómo ni por qué. Me atrevería a decir que es la más infantil de las actitudes, ya que la fama como tal es un objetivo efímero y que si bien a algunos les puede dar satisfacción sentirse queridos o al menos conocidos por una gran multitud, no deja de ser una inconsistencia. ¿No os recuerda esto a los famosillos de los realities? (XD)

  • Luego están aquellos que ven la fama como un medio para alcanzar un fin mayor. En los webcómics este sería el caso de aquel que publica en principio porque es lo que le gusta y disfruta con ello, pero no rechaza ir consiguiendo algo de fama para que su webcómic sea leído por más gente y llegue los más lejos posible. Esta es una buena actitud, siempre y cuando no caigas en el típico cuento de la lechera (“¡Ya lo tengo! Conseguiré fama, entonces me mandaran un mail para hacerme un entrevista, el responsable de un fanzine leerá esa entrevista, publicaré con ellos, conseguiré más fama y una gran editorial se interesará por mí. ¡Es el plan perfecto!”) Es mejor no hacer planes, porque no podemos controlarlo todo. Hay muchos más factores, como la suerte. Por eso, a veces es mejor no obsesionarse con los medios ni los fines, seguir trabajando, disfrutar, y observar tranquilamente a donde nos dirigen los acontecimientos, sin tratar de forzarlos.

  • Por último, los menos, son los que rechazan cualquier tipo de fama, creyendo en la romántica y utópica idea de trabajar por amor al arte, sin esperar nada a cambio. Esta última me parece una postura bastante respetable y la menos desinteresada de todas, pero si quieres vivir de ello… es poco realista.

Mi opinión al respecto es que debemos trabajar inspirados por ese amor a crear, ya que sin él, nuestras obras carecerían de sentido y serían simples productos. Pero creo también, que si aspiras a otros objetivos, (a parte de desarrollarte en un ámbito y pasártelo bien) como por ejemplo, publicar en formato papel, debes también moverte por el mundillo, participar en foros, comentar, buscar sitios dedicados al manga, conocer gente con los mismos intereses… es decir, si quieres que tu trabajo sea conocido, muéstralo. No hay un método infalible para triunfar y que todo el mundo lea tu manga, pero si es lo que quieres, tienes a tu disposición más herramientas de las que crees: usa Internet, lee libros sobre marketing o publicidad, sé creativo…

Parece sencillo, pero hay muchas variables. Por ejemplo, la calidad (ya sea de dibujo, de guión o de ambos aspectos) y la notoriedad de un webcómic no tienen por qué ir unidas. Una obra artísticamente muy buena y con un guión extraordinario, podría no ser muy popular, pero darse el caso de un trabajo que no destaque por el aspecto artístico y que sin embargo le llega a una gran mayoría. Este es otro punto interesente. ¿Qué le gusta al público? ¿Por qué? ¿Estaríamos dispuestos a hacer algo que no nos guste por agradar a los demás? ¿O al contrario, podríamos hacer que una obra en principio condenada a una minoría (por su temática… etc) llegue a muchas más personas?

Además encontramos la fama “buscada” y la fama “sorpresa”. Es decir, el primer tipo corresponde con alguien que sabe lo que quiere y para qué, y por tanto hará todo lo posible para obtenerla. Evidentemente, si falla, se frustrará más que el segundo tipo, al que la fama le llega sin buscarla necesariamente, de una forma aparentemente fácil. ¿De qué depende? Pues volvemos al párrafo anterior… depende de su trabajo, su obra o aquello que se ha hecho famoso. En el caso del primero, tal vez no consiga hacer de su obra un cómic conocido,  pese a todo el esfuerzo. Entonces ¿Era una obra destinada a no triunfar? ¿Por qué? ¿Si hubiera sido hecha en otra época o lugar hubiera sido diferente? ¿Se equivocó en la manera de buscar popularidad?

En definitiva, cuanto más sepamos de todo, mejor, ya que el trabajo de mangaka tiene muchas variables: guión, dibujo, temática, estilo... Y a eso hay que añadirle, que la gran mayoría (yo diría que casi todos, si no todos) de webcomiqueros trabajan de forma independiente. Es decir, no tienen una empresa o un editor detrás de ellos. Por tanto, no sólo tenemos que saber sobre crear manga, si no también sobre vender manga (es decir, el resto del proceso), y eso incluye la maquetación, derechos de autor…etc y cómo no, sobre cómo publicitarnos y darnos a conocer.

Me gustaría terminar recordando que tampoco es necesario obsesionarse con ello. Si tu trabajo es bueno, sería raro que con tiempo y esfuerzo no consiguieras tus objetivos. Hay muchos caminos para llegar a una misma meta. No penséis que la fama rápida es el camino rápido. Lo primero que debéis buscar es mejorar como autores, luego debería venir todo lo demás.

Siento si esta entrada ha sido demasiado larga, pero la verdad es que este tema se podría extender mucho más, aunque tampoco soy quién para entrar en detalles (XD). Probablemente habrá cosas con las que no estéis de acuerdo, ya que casi todo lo he extraído de mi (corta) experiencia y observación. Os animo a aprender más sobre el tema de publicidad, fama y popularidad por vosotros mismos, ya que os puede ser muy útil.

¡Un abrazo y nos vemos en la siguiente entrada!

Diferencia entre "Cómic" y "Manga"

FederiX Pregunta: Que diferencia tiene el comic con el manga? Si me lo pueden responder se lo agradecería.


Esta mítica pregunta me llevó todo un año responderla en mi trabajo de fin de carrera en bellas artes. Era un trabajo que duraba todo el año y con el que me jugaba un 15% de la nota total del curso, con lo que entenderéis que me la tomara un poco en serio.

En los diferentes países que han desarrollado una importante cultura de cómic se han designado un nombre, en sus idiomas autóctonos, para referirse a este.

Por error general, la mayoría de la gente suele referirse a cada uno de estos nombres como si cada uno determinara un "estilo gráfico" y "narrativa particular" de cada país donde se acuña el término (GRAN ERROR). Por ejemplo, es común escuchar gente decir que prefieren el manga (cómic en Japón) al cómic (refiriéndose a este como si fuera un estilo exclusivamente estadounidense).

En realidad esto no es así.

Ver como un mangaka - Deformación profesional


La entrada de hoy es una pequeña reflexión que espero que os inspire o que incluso os haga cambiar un poquito vuestra visión del mundo.

¿Conocéis la llamada “deformación profesional”? Consiste en que por ejemplo, un experto de cualquier sector aplica hasta tal punto sus conocimientos en el “mundo real” que ya casi no se distingue dónde comienza su trabajo y acaba éste.

¿Y qué tiene que ver esto con el manga? Pues es sencillo. Para alguien que realmente vive esta ocupación con todo su ser, el mundo deja de ser el mismo. Si entra a la casa de un amigo, es probable que se fije en la perspectiva cónica e imagine como las líneas confluyen en un punto imaginario. Si escucha a dos personas hablar, analizará las formas usadas, el vocabulario, observará cómo cambia según la situación, los interlocutores, analizando qué es lo que le hace parecer natural y fluido. Cuando esté frente a una persona, observará los ángulos que forman sus facciones y sus expresiones, cómo la luz incide sobre ellos… y así con todas las áreas cotidianas de la vida.


 Lo estás haciendo mal... (XD)

Es posible que esto no nos suceda a nosotros, ¡sería agotador! (XD). Pero haced la prueba. Intentad durante un día (incluso menos tiempo) ver como lo haría un autor de manga. En realidad es bastante sencillo, pero requiere esfuerzo y algo de concentración. En mi opinión, consiste, básicamente, en observarlo todo y en preguntarse acerca de todo.

Imagina que la habitación o el lugar desde el que lees esto es un escenario dibujado a golpe de lápiz, plumilla y tinta. Trata de comprender cómo para el espectador (tú) todo varía por la perspectiva, observa cómo las líneas que en realidad son paralelas confluyen, como nuestra percepción deforma lo que vemos (por ejemplo, un marco de fotos visto casi de refilón no parece ningún rectángulo, aunque lo sea).

¿Y para que sirve todo esto? Bueno, a parte de ser una experiencia, se puede aprender mucho de ello sin casi darnos cuenta. La simple observación facilita mucho las cosas, pero es necesario observar con eficiencia, sabiendo lo que hacemos.

Espero que os sea útil y nos vemos en la siguiente entrada. ¡Un abrazo!

Una aventura digital


¡Hola a todos los lectores de Sutori!



Aunque recién esté comenzando, voy a empezar  disculpándome con los que creyeron que por el título del post esto se  trataría de alguna otra cosa con tintes mas románticos o telenovelescos.  Me disculpo ya que con este post solo deseo contarles mi experiencia con el entintado digital y de mis apreciaciones en comparacion con el entintado clásico .

He leído muchas veces en el blog preguntas de gente que desea saber que es mas recomendable utilizar en sus trabajos, ¿será acaso mejor el entintado clásico (a mano), o el entintado digital? Bueno, la verdad es que yo hace algún tiempo era de los defensores más acérrimos al entintado manual. Esto se puede deber a mi gusto por el comic y el manga de los noventa donde el trazo del artista se perfeccionaba de tal modo que un entintado de otras características resultaría totalmente innecesario. Por eso desde que comencé en algún momento con mi primer manga un tanto mas serio “Blue Stone” y luego cuando continué con “School battle” no me despegaba de las plumas tradicionales, que pese a vivir en un país donde poco y nada se utilizan, por lo que poco y nada que se venden, siempre fueron mi recurso favorito.

El problema surge al momento de colocar las tramas. En mi país, Chile, yo creo que nunca en la historia nacional ha llegado algún embarque con tramas japonesas para los dibujantes de aquí, por lo que necesariamente para hacer un manga con buenos resultados debemos recurrir al entramado digital y a programas como photoshop o manga studio entre tantos otros.  Entonces es cuando se produce la contradicción. No quería de ningún modo el utilizar recursos digitales, pero a la larga, existía un proceso que duraba horas y que consistía en el escaneo y posterior entramado de las páginas. La necesidad me obligaba a utilizar artefactos electrónicos en pos de un mejor trabajo y pese a todo esto no daba el salto respecto al entintado digital.

La verdad es que la tableta digital la compré ya hace un año pero nunca la había querido utilizar de una forma tan protagónica en mi manga. Siempre la utilizaba para pintar o ayudarme con pequeños detalles que con el ratón del ordenador se me hacía casi imposible. Incluso  llegué a hacerme bastante hábil con el ratón  ya que las primeras portadas de mi manga las pintaba solamente con el, al igual que el entramado. En fin, tenía un medio tecnológico sin explotar y tenía que utilizarlo.


En mi manga “School battle” los primeros seis o siete capítulos no utilicé en ningún momento la tableta, sin embargo al darme cuenta de lo fácil y conveniente que resulta hacer fondos con ella, empecé a utilizarla cada vez mas hasta el día de hoy donde estoy entintando íntegramente el capítulo nueve con la tableta.


Como les dije al principio no es mi intención dar cánones absolutos sobre los valores y desvalores de uno y otro recurso, si no que mas bien contarles mi experiencia con los mismos y diferenciarlos con sus pros y contras desde mi experiencia con ellos.

Entintado digital:



   Pros:
  • Gran facilidad para hacer pequeño detalles por ejemplo en fondos.
  • Corrección de errores tantas veces quieras sin poner en peligro el papel ni el dibujo original
  • No existe un bote de tinta que se te de vuelta (dato muy importante si se está en un país tan sísmico como el mío, se tiene un mal pulso o exceso de cafeína en la sangre)
  • Aunque requiere de una inversión inicial que puede ser un tanto alta, se recupera rápidamente ya que te ahorrarás lápices, colores y muchísimas cosas que tienes que estar comprando periódicamente cuando dibujas una cantidad considerable de hojas de manga.
  • Un trazo muchísimo más limpio y preciso si configuras bien tú programa de entintado.

       Contras:

  • Imposibilidad de apreciar en un 100% la totalidad de la página
  • Excesivamente tardío si eres una persona exigente y que siempre nota que le puedes hacer un pequeño  detalle extra al dibujo (cuando le dibujas las caries en las muelas a tu personaje ya tienes un problema).
  • Se vuelve tedioso el estar horas frente al ordenador sobre todo si eres un purista que le gusta estar en contacto con el papel.





Entintado manual:


Pros:
  • Puedes apreciar de mejor forma o en un plano general el dibujo y no focalizado como en el ordenador.
  •  Técnicas como el achurado son más fáciles de realizar.
  •  No se te cansa tanto la vista como en el ordenador.
  • Un proceso más rápido que el digital, aunque esto con la práctica se va resolviendo hasta terminar demorándote casi lo mismo.
  •  Trabajo adquiere un mayor valor a vista de muchos
  • No estás obligado a depender de un ordenador para hacer manga
  • La insuperable sensación de entintar con tus propias manos tus dibujos.


Contras:
  • Riesgo de ensuciar
  • No tienes oportunidad para equivocarte ya que la tinta no se sale
  • Los lápices son muchas veces caros
  • Complicaciones para hacer fondos o detalles pequeños




Bueno chicos como ya les decía no es mi intención dar cánones absolutos acerca de los dos medios si no que cada uno de ustedes se forme su propia opinión acerca de estas dos herramientas. Tampoco hay que pensar que la utilización de un medio excluya al otro y que no puedan coexistir en una hermosa unión armónica. 

Bueno espero les halla gustado el post y que les halla servido de algo mi humilde opinión. ¡Nos leemos pronto y recuerden que la práctica hace al maestro!

Un mangaka nunca se rinde II


Hace un par de meses escribí unas reflexiones acerca del esfuerzo. En resumen, se hablaba de que en Japón el manga está fuertemente vinculado a la cultura del esfuerzo. Al final se concluía con un mensaje de ánimo de esforzarse por lograr lo que uno quiera, sea lo sea, ya que cada uno busca en esta profesión o arte cosas diferentes.

En ocasiones he charlado con profesionales que seleccionan cómics para ver si éstos son publicados en una gran editorial o no y hay un tema que también refiere a la actitud del futuro profesional del cómic que debería tenerse en cuenta: la perseverancia, o insistencia, o el hecho de saber mantenerse firme y continuar con el trabajo que está haciendo a pesar las críticas, cambiarlo, corregirlo, volver a empezar.

Podríais pasaros un año preparando un proyecto, desarrollando a los personajes, creando el universo, escribiendo guiones y dibujando páginas, y luego presentarlo a una editorial y que os digan que no sirve. Y probablemente sea cierto. Si ni las obras de los grandes maestros son perfectas, imaginaos las carencias que puedan tener las obras de una persona que lleva pocos años en esto. En este caso, por lo que me cuentan los editores, ellos buscan una buena conciliación entre calidad artística y calidad comercial para el producto, todo adaptado al contexto del mercado en el que se vaya a vender (no es lo mismo vender un cómic en Francia que en España, por ejemplo, el número potencial de clientes y los gustos medios cambian radicalmente).

Y por eso ante el rechazo, hay que insistir, hay que resistir.

Romper un proyecto para volver a comenzarlo puede resultar duro, pero si se hace probablemente sólo aporte cosas buenas al mismo. Todos los artistas van buscando su camino cometiendo errores. Mirar atrás, ver tus anteriores trabajos y encontrar cada vez más errores es bueno, porque significa que se ha mejorado, siempre que no se convierta en una radical obsesión por la búsqueda de la perfección, que no existe, y que frustra al artista y le impide continuar.

La obra que estáis haciendo en estos momentos no tiene por qué ser la definitiva. Muchos artistas han reciclado sus obras, creando después una mejor basada en la anterior. Y esto es más o menos lo que esperan algunos editores cuando rechazan un trabajo.

Cuando un editor rechaza un trabajo es porque considera que tiene carencias, y probablemente se invite al autor a que se corrijan estas carencias para obtener una obra un poco más sólida. Un autor perseverante podría enviar la misma obra corregida en multitud de ocasiones hasta que ésta fuera aprobada, y eso denota una gran actitud de esfuerzo por parte del artista.

Un ejemplo curioso es el de Albert Espinosa, un escritor español de cine y televisión que ha conseguido que Steven Spielberg se interese en crear una versión estadounidense de su serie de televisión "Pulseras rojas", que trata sobre unos niños hospitalizados. Albert vivió una infancia entre hospitales y siempre quiso contar una historia sobre el tema. Esta serie juvenil, que en 2012 se ha emitido en un canal de televisión nacional español, se empezó a emitir en las televisiones catalanas en 2010, y está inspirada en una película que el mismo escritor llevó a los cines en 2003 (Planta 4ª); a su vez, esta película está inspirada en una obra de teatro que el mismo escritor presentó en 1995 (Los pelones). Me parece un buen ejemplo de cómo un proyecto que tiene una misma raíz se va reciclando y puliendo a lo largo de los años y llega cada vez a más gente.

En el mundo del manga tenéis un ejemplo cercano, como Dragonball. Si se estudia el "Teatro manga" de Akira Toriyama, que contiene one-shots del autor anteriores a sus publicaciones largas, vemos historias como "Dragon boy" o "Las aventuras de Tongpoo", que parecen prototipos de Dragonball, presentando protagonistas muy similares a Son Goku, acompañados por chicas muy similares a Bulma, pero con planteamientos un poco diferentes al de la obra que todos conocemos.

Ante una adversidad lo que no nos llevará a nada es desinflarnos y desanimarnos, o ver como una enorme montaña el hecho de volver a empezar. Puedes volver a empezar tu proyecto favorito, o reciclarlo y convertirlo en otro nuevo, o dejarlo atrás y hacer algo completamente diferente, pero insiste; persiste.

Los cuatro temperamentos básicos en los personajes

Hay algunas preguntas en la sección pregúntanos que hablan sobre la personalidad de los personajes, lo cual es difícil de responder. Primero, hay que entender que la personalidad es un tema muy amplio, ya que los personajes son personas y como las mismas personas, hay que intentar que sean únicos. La buena creación de personajes es un ejercicio muy difícil, hay que manejar muchos factores para lograr hacer un personaje único y que se sienta humano. Pero ¿Por donde empezamos?. En el taller de manga hay varios consejos y pistas sobre esto, pero aquí hablaremos del tema más de fondo.

Según la sicología, la personalidad se divide en principalmente dos elementos: El cáracter y el temperamento. El temperamento es principalmente genético, es como la base de nuestra personalidad y es muy difícil que cambie en la vida. El carácter es formado mayormente por la cultura en que le toca vivir y las experiencias de la vida.

Aquí me dedicaré a hablar del temperamento y especialmente la teoría de los cuatro temperamentos básicos, ya que dominarlos les puede dar pistas para la creación de personajes más humanos y únicos. No soy experta en el tema, pero creo saber lo básico para poder interesarlos.

Pero antes de empezar a describir estos, deben tener en mente, algo que describiré más adelante, que un personaje puede tener más de un temperamento y no necesariamente tiene todas las carácteristicas de este (Especialmente en los ejemplos de abajo). Además no son arqueotipo, es más, un arqueotipo puede tener cualquiera de los temperamentos.

Como se ve en la imagen de arriba, los temperamentos pueden dividirse en dos carácteristicas principales o ejes:
  • Eje de los sentimientos y hechos: Este eje define que es más importante o en que se fija más el personaje. Un personaje sentimental será muy afectado por su sentimientos o también puede ser un personaje muy decidido que no le importa lo que siente la gente, solo su objetivo. 
  • Eje de la expresividad: Si un personaje es más contemplador o es más activo

Según estos ejes, se pueden explicar los cuatro temperamentos básicos:

¿Cómo hago líneas de contorno del tamaño y color que yo quiera?

Juankystrato pregunta:¡Hola Sutori! Hay un detalle que quiero hacer en algunos de mis dibujos y veo que alguno de vosotros lo hace: ¿Cómo puedo hacer que mis dibujos tengan un contorno del tamaño y color que yo quiera? no se si lo he explicado bien, como ejemplo puedo poner la portada del segundo tomo de 5 elementos que tiene una franja blanca entre el dibujo y el fondo. Gracias
Responde Minaya: Eso es muy simple pero a la vez muy útil y que da buenos resultados. Es más, se puede hacer en Photoshop y en Manga Studio.

Photoshop


 Primero creamos una capa sobre el dibujo, en esta pintamos los límites exteriores del dibujo que queremos ponerle el contorno ¡Si usas el balde no olvidar poner que sea contiguo y que utilice todas las capas!. Después entramos aplicamos el efecto trazo en la capa hecha: 




Al entrar a trazo cambiamos la posición a "Interior" como se ve en la imagen anterior. ¡Ahí podemos poner nuestro contorno del color que queramos! Pero me diran que ustedes quieren solo el contorno, no el fondo gris. Pues, para esto solo volvemos a la ventana de capas: 


En la ventana de capas bajamos la opción de "Relleno" a 0 y ahi solo se verá el contorno que queremos (=3).

También se puede hacer una capa con la silueta de lo que uno quiera dejar el contorno y en vez de poner la posición en "Interior" hacerlo en "Exterior", tendría que quedar parecido =3. 

Manga Studio


Primero creamos una capa "Black and White (2 bits)", como se ve en la imagen anterior.


Después de esto vamos a propiedades de la capa (sino se ve la ventana de propiedades haces doble click en ella) y la cambias a "Color" ¿Para qué? Bueno, ahi uno puede controlar de que color será lo que uno pinte negro y lo que se pinte blanco de la capa (Si estuviera en Grayscale).

Ahora, al igual que en Photoshop rellenamos el exterior del dibujo, pero esta vez con el color que quede el contorno, no cualquier color. Para terminar entramos a el bote de pintura:


En las opciones del bote de pintura entramos a "Fill" y en "Expand/Reduce Area" ponemos en negativo cuan grueso queremos el contorno, en la imagen nos quedaría un contorno de "0,35 mm". Y para terminar rellenamos ¡Pero sin olvidar que sea con la transparencia! para que nos queden solo las líneas del contorno:


Sino entendieron lo de el relleno con transparencia, en la imagen anterior apunte donde es.

Espero que sirva este tutorial ¡Nos vemos en el siguiente!

La Espada del Anormal - Capítulo 50



¡Ya está disponible un nuevo capítulo de las aventuras de Login y los Cronoamigos! En el capítulo anterior dejamos a Lode totalmente debilitado y a Ñachi a punto de masacrarlo. Ahora continúa la batalla por la última espada personalizada, Lode está en serios problemas y no sé como va a salir de ésta.

Otro capítulo que se pasó rápido porque es pura acción. Y ya llegué al capítulo 50, y quedan muchos (muchos) más. En el próximo capítulo sabremos si la pelea sigue o no, y el final del capítulo será bastante épico (garantizado). El nombre del capítulo es 051: El señor de una nueva era. A propósito, a mediados de mes voy a hacer una entrada con adelantos del próximo capítulo, para aliviar la espera entre capítulos. Así que atentos a eso en mi blog Shonen Freak. Y atentos al tuiter y feisbuk. Les dejo los links para leer el capítulo:

Entintando en Manga Studio

Como aquí en Chile es fin de semana largo y como ando con pereza de hacer algún tutorial, les traigo un pequeño video de una ilustración que estoy haciendo ahora.



Para los que estan empezando con entintado digital, en el video uso capas para poder entintar distintos planos, que es una ventaja que tenemos lo que usamos este entintado. Además utilizo capas en blanco para tapar las capas que estan atras (Primero las pinto celestes y después las cambio a blanco). Esto ahorra bastante trabajo, especialmente a mi que me gusta entintar el fondo completo y después entintar el resto (Algo bastante recomendable si quieren aprender a hacer fondos).

Eso es todo, disfruten el fin de semana~